Apr 19, 2021

Mejores estrenos del mes de marzo

El pasado mes de marzo, vino cargado de lanzamientos de nuevas series y películas que reúnen todas las características para atraparnos y dejarnos enganchados a la televisión durante horas y horas. 

En primer lugar, hay que comenzar diciendo que ha sido el mes en el que se han estrenado mas películas nominadas a los premios Oscar 2021 en nuestro país. 

Comenzando por la favorita a mejor película, Nomadland, que narra el camino de una mujer que tras perderlo todo en la recesión se dispone a realizar un viaje por el Oeste americano convirtiéndose en una verdadera nómada. La cinta dirigida por la directora china Chloé Zao ha arrasado en los festivales de este año y ha logrado hacerse con el premio a mejor película tanto en los premios BAFTA británicos como en los Golden Globes, de modo que no seria extraño que fuera por el mismo camino en los cercanos premios Oscar. 

Siguiendo con las películas de la carrera de premios de este año, podemos señalar también algunos estrenos como Minari o Judas y el mesías negro. Ambas con un fuerte contenido racial, aunque en distintos niveles. La primera, dirigida por Lee Isaac Chung narra la vida de una familia coreano-estadounidense en un pequeño pueblo de Arkansas, y la segunda bajo las riendas del director Shaka King cuenta como el FBI consiguió infiltrarse en la red de confianza del líder de las panteras negras. Ambas películas están nominadas junto a Nomadland a mejor película y aunque no son las favoritas, es posible que nos den una sorpresa en las próximas galas de premios.

La próxima película, aunque no esta nominada a los Oscars, es una mención importante. La Liga de la Justicia de Zack Snyder fue re-estrenada en HBO el 18 de Marzo. Esta película es un caso sin precedentes de un director´s cut ya que, tras el estreno en cines de la cinta original y exponencialmente mermada en 2017, Warner recibió tal presión de los fans, que permitió a Snyder completar su versión de la película que dura mas de 4 horas y es bastante mejor que la original. La cinta estará disponible hasta el 7 de abril en HBO. 

Pasando a las series, podemos decir que marzo ha sido un mes de estrenos y regresos de series muy esperadas. Empezando por la nueva serie de HBO Genera+ion un drama adolescente producido por Lena Dunham que recupera en muchos momentos el humor descarado de su famosa serie Girls y lo mezcla con la angustia emocional de otras series adolescentes como Euphoria. Genera+ion ofrece una visión fresca y actualizada de la generación Z y su día a día, al mismo tiempo que trata problemas como el descubrimiento sexual, el racismo o los embarazos juveniles de una forma relevante y extremadamente entretenida.

Este mes, también ha sido el elegido por Marvel para lanzar su nueva serie perteneciente su Cuarta Fase de contenido de superhéroes, Falcon y el Soldado de Invierno, una serie que narra las aventuras del nuevo Capitán América, Sam Wilson y su compañero Bucky Barnes tras los acontecimientos de la ultima película de Los vengadores. La serie que expande (aun mas) el universo Marvel, esta disponible desde el 19 de marzo en Disney + que lanza un capitulo nuevo cada semana en su plataforma.

La ultima serie que mencionaremos, es la nueva producción de los creadores del fenómeno internacional, La casa de papel. Vancouver Media, nos trae de nuevo de la mano de Álex Pina su nueva serie para Netflix, Sky Rojo, un drama que sigue la huida de tres prostitutas tras asesinar a sus jefes. Se trata de una historia repleta de acción, con unas protagonistas poco comunes, que resulta en muchos momentos conmovedora para el espectador al lograr empatizar con estas mujeres.  Sin embargo, peca un poco de intentar imitar un tipo de cine tarantinesco hasta tal punto que en momentos se deja la trama de lado para centrarse en el carácter épico de la puesta en escena.  

Todos estos estrenos, tanto cinematográficos como seriales van formando poco a poco el calendario de lanzamientos de este 2021 y, en conclusión, podemos señalar que marzo ha sido un mes repleto de todo tipo de contenidos audiovisuales dándonos la escusa perfecta para darnos un respiro y sentarnos a disfrutar nuestras series y películas favoritas.

Laura Sánchez


Best releases of march 

Last March, we were loaded with launches of new series and movies which contain all the characteristics to catch us and leave us hooked on television for hours and hours. 

In the first place, we must start by saying that it has been the month in which more films nominated for the Oscar 2021 awards were released in our country. 

Starting with the favorite for best film, Nomadland: it tells the story of a woman who, after losing everything in the recession, is about to take a trip through the American West, becoming a true nomad. The film directed by the Chinese director Chloé Zao has swept the festivals this year and it has managed to win the award for best film at both the British BAFTA Awards and the Golden Globes, so it would not be surprising if it reaches the top again in the Oscars. 

Continuing with the films of this year's awards race, we can also point out some premieres such as Minari or Judas and the black messiah. Both with important racial content, although at different levels. The first, directed by Lee Isaac Chung tells us about the life of a Korean American family in a small town in Arkansas; and the second one, under the reins of director Shaka King tells how the FBI managed to infiltrate the trusted network of the leader of the Black Panthers. Both films have been nominated alongside Nomadland for best picture and, although they are not the favorites, they may give us a surprise at the following award galas. 

The next film, although not nominated for the Oscars, it is also worth mentioning. Zack Snyder's Justice League was re-released on HBO on March 18. This film is an unprecedented case of a director's cut because following the exponentially depleted original film theatrical release in 2017, Warner received an outstanding number of complaints from fans, which led the production company to allow Snyder to complete his version of the film that lasts more than 4 hours and is much better than the original. The tape will be available until April 7 on HBO.

 Moving on to the series, we can say that March has been a month of highly anticipated series premieres and returns. Starting with the new HBO series Genera+ion, a teenage drama produced by Lena Dunham that recovers in many moments the cheeky humor of her famous series Girls and mixes it with the emotional anguish of other teenage series such as Euphoria. Genera+ion offers a fresh and up-to-date view of Gen Z and their day-to-day lives while addressing issues such as sexual discovery, racism, or teenage pregnancy in a relevant and extremely entertaining way. 

This month has also been chosen by Marvel to launch its new series belonging to its Fourth Phase of superhero content, Falcon and the Winter Soldier, a series that chronicles the adventures of the new Captain America, Sam Wilson, and his partner Bucky Barnes after the events of the last Avengers movie. The series that expands (even more) the Marvel universe, is available from March 19 on Disney + and launches a new episode every week on its platform. 

The last series that we will mention, is the new production of the creators of the international phenomenon, Money heist. Vancouver Media brings us again from the hand of Álex Pina his new series for Netflix, Sky Rojo, a drama that follows the escape of three prostitutes after murdering their bosses. It is an action-packed story, with some unusual protagonists, which is in many moments moving for the viewer when it manages to empathize with these women. However, focuses a bit too much in   trying to imitate a Tarantino-like cinema to such an extent that at times the plot is left aside to focus solely on the epic staging and visual effects. 

All these premieres, both cinematographic and serial, are gradually shaping the release calendar for 2021, and , in conclusion, we can point out that March has been a month full of all kinds of audiovisual content, giving us the perfect excuse to take a break and sit down to enjoy our favorite series and movies.

Laura Sánchez

 


Apr 13, 2021

Series recientes de Netflix con una trama feminista diferente

 

No es ningún secreto que estamos viviendo un cambio importante en cuanto al papel de la mujer en la sociedad se refiere, cambio que podemos apreciar también en el mundo cinematográfico. Desde sus inicios, si una mujer era protagonista en una serie o película, la trama se basaba en morir de amor por un hombre, en ser madre e incluso en ser una buena ama de casa. Sin embargo, al igual que va cambiando la sociedad, también lo hacen las tramas representadas para adecuarse al movimiento y no ser miradas con malos ojos.

Con el paso del tiempo pudimos empezar a ver series donde la mujer luchaba por sus derechos o por ser libres, pero sin dejar de lado la condición de ser “mujer de” o “madre de”, se podría decir que lo tradicional mezclaba algo de reivindicativo feminista, pero sin excederse.

Sin embargo, no ha sido hasta estos últimos años cuyos títulos resumen un argumento que sigue el siguiente esquema: una o varias mujeres, presentadas como heroínas, logran por sí solas destacar e imponerse en ambientes ampliamente masculinizados. Es por ello por lo que podemos decir que desde hace años venimos asistiendo al estreno casi mensual de series, aunque también de películas, de éxitos sobre el empoderamiento femenino, cuya imagen icónica es la victoria final de una mujer que acaba siendo bella, triunfante y satisfecha después de trabajar a destajo y tragarse unos cuantos comentarios misóginos.

Un buen ejemplo de lo anterior es el rotundo éxito de la miniserie de Netflix “Gambito de dama”, la cual trata sobre una chica huérfana que lucha por convertirse en la mejor jugadora de ajedrez del mundo. Este éxito poco tiene que ver con el despertar del interés por el ajedrez, sino por la romantización del empoderamiento femenino, ya que lo que atrae al publico y entretiene es ver a una mujer que aun partiendo de una situación totalmente desprivilegiada, consigue convertirse en una estrella mundial, plantándole cara a los hombres con la sola brillantez de su intelecto.

Otro éxito similar, es otra miniserie de Netflix, “Madame C.J. Walker: Una mujer hecha a sí misma”, donde se cuenta la historia de Sarah Breedlove, una mujer afroamericana nacida en 1867 que logra imponerse al dinero de los hombres y monta su propia empresa de productos para el cuidado del cabello femenino, en la que da trabajo a miles de mujeres; esa mujer se convierte en una figura ejemplar gracias a su esfuerzo intachable, conocida como Madam C. J. Walker, que, a pesar de no tener estudios ni apoyo familiar o económico, consigue ser la primera millonaria de EE.UU. En este caso, estamos ante la reproducción literal del relato del “american dream”,”tú misma tienes la llave para cumplir tus sueños”, solo que al aplicarlo a una mujer supone que también tendrá que luchar, ella sola, contra el machismo, el clasismo y el racismo de su época.

Y es que la gran mayoría de series y películas con este tipo de tramas están ambientadas en épocas pasadas, donde aspectos como la independencia social y económica de una mujer resultaba toda una lucha. Sin embargo, ¿tienen hoy en día la repercusión idónea para el presente?

La realidad es que el machismo y el patriarcado sigue siendo actualmente un problema sin resolver que sufrimos todos los días, aunque no seamos del todo conscientes. Entonces, ¿por qué tanto empeño en mostrar mujeres extraordinarias de tiempos pasados? No hay duda de que es necesario conocer el pasado para no repetirlo en el presente, sin embargo, es cada vez más frecuente ver en las pantallas de nuestros hogares series que expresan un desapego emocional hacia tener un final feliz de la mano de un hombre.

Es el caso de la serie de Netflix “Emily en París”, una joven millennial estadounidense que se muda ella sola a Francia para conseguir su sueño de alzarse hacia lo más alto en el mundo de la publicidad. Emily llego a París con pareja,  a la cual dejó por hacer su vida propia, y es que, en vez de armarse un drama, ella continua su experiencia y su vida como si nada, dejándonos muy claro que por un hombre no se acaba el mundo.

De cualquier modo, este suceso no resulta de más cuestión que en grandes multinacionales como Netflix incorporan como parte de su estrategia de marketing aprovechar el éxito de los discursos y las referentes feministas. Es decir, si cada vez hay más mujeres feministas que van al cine y que consumen estas plataformas, les sale rentable convertirlas en protagonistas. Sin embargo, mientras sigan estrenando esta clase de series, debemos estar contentas pues no es más que un resultado más del trabajo de muchas con el reciente auge del movimiento feminista.


Isabel Gandía Solera


Recent Netflix series with a different feminist plot. 

It is no secret that we are experiencing an important change in terms of the role of women in society, a change that we can also appreciate in the cinematographic world. From the beginning, if a woman was the protagonist in a series or movie, the plot was based on dying of love for a man, being a mother and even being a good housewife. However, as society changes, so do the plots represented to adapt to the movement and not be looked at with bad eyes. 

Overtime, we were able to start watching series where women fought for their rights or to be free, but without neglecting the condition of being a "woman of" or "mother of", it could be said that the traditional mixed something of vindictive feminist, but without overdoing it.

However, it has not been until recent years whose titles summarize an argument that follows the following scheme: one or more women, presented as heroines, manage to stand out and impose themselves in widely masculinized environments. That is why we can say that for years we have been attending the almost monthly premiere of series, but also films, of hits on female empowerment, whose iconic image is the final victory of a woman who ends up being beautiful, triumphant, and satisfied after working hard and swallowing a few misogynistic comments. 

A good example of this is the resounding success of the Netflix miniseries "The Queen's Gambit," which is about an orphan girl struggling to become the best chess player in the world. This success has little to do with the awakening of interest in chess, but rather with the romanticization of female empowerment, since what attracts the public and entertains is seeing a woman who, even starting from a totally deprivileged situation, manages to become a world star, standing up to men with the sheer brilliance of her intellect.

Another similar success is another Netflix miniseries, “Self Made: Inspired by the Life of Madam C.J. Walker”, which tells the story of Sarah Breedlove, an African-American woman born in 1867 who manages to prevail over men's money and sets up her own company of products for the care of women's hair, in which employs thousands of women; that woman becomes an exemplary figure thanks to her impeccable effort, known as Madam CJ Walker, who, despite having no education or family or financial support, manages to be the first millionaire in the United States. the literal reproduction of the story of the "American dream", "yourself have the key to fulfill your dreams", only that when applied to a woman it means that she will also have to fight, on her own, against sexism, classism, and racism his time.

And is that most series and movies with this type of plot are set in the past, where aspects such as social and economic independence of a woman was a struggle. However, do they have the ideal repercussion for the present today? 

The reality is that sexism and patriarchy is still an unsolved problem that we suffer every day, even if we are not fully aware. So why so much effort to show extraordinary women of bygone times? There is no doubt that it is necessary to know the past so as not to repeat it in the present, however, it is increasingly common to see on the screens of our homes series that express an emotional detachment towards having a happy ending at the hand of a man. 

This is the case of the Netflix series "Emily in Paris", a young American millennial who moves alone to France to achieve her dream of rising to the top in the world of advertising. Emily arrived in Paris with a partner, whom she left to make her own life, and instead of putting on a drama, she continues her experience and her life as if nothing had happened, making it very clear that for a man the world. 

In any case, this event is no longer a question that large multinationals such as Netflix incorporate as part of their marketing strategy to take advantage of the success of feminist speeches and references. That is, if more and more feminist women go to the movies and consume these platforms, it is profitable for them to turn them into protagonists. However, while they continue to premiere this kind of series, we must be happy because it is just one more result of the work of many with the recent rise of the feminist movement.


Isabel Gandía Solera


Mar 31, 2021

De dónde viene #StopAsianHate y cómo ha sido la representación asiática en la ficción

En lo que llevamos de año, la comunidad asiática se ha visto afectada por algo mas que un virus. En 2021 se han sucedido mas de 3.700 incidentes de odio contra esta comunidad. Estos sucesos han sido de forma globalizada y se corresponden con ataques de odio verbales, discriminaciones en el entorno laboral, acoso online y ataques físicos que han desembocado, en algunos casos, en la muerte. 

Tal como ha publicado un estudio de La Universidad Estatal de California desde su centro de estudio del odio y el extremismo : desde que explotó el covid el pasado marzo, los crímenes dirigidos a la comunidad asiática han aumentado en un 149% mientras que los crímenes regulares han descendido un 7%. 

Sin embargo, el punto de inflexión llegó al mismo tiempo que se produjeron una serie de tiroteos en spas y lugares de masaje en el área metropolitana de Atlanta, Georgia resultando en 8 muertos, 6 de los cuales asiáticos. Estos incidentes tuvieron una enorme repercusión mediática, sobre todo en redes sociales, donde denunciaban estos crímenes dirigidos a la comunidad asiática, lo cual desembocó en numerosas movilizaciones y protestas por algunas de las ciudades americanas y en el nacimiento del movimiento #stopasianhate. 

A partir de este movimiento, no solo se han denunciado estos ataques, sino también se ha intentado hacer llegar el mensaje de que esta comunidad lleva siendo hostigada durante muchos años, incluso antes del surgimiento del Covid, y una las razones principales de que esto ocurriera ha sido la representación asiática en la ficción y en los medios de comunicación. 

Desde el principio de Hollywood, la comunidad asiática ha aparecido en la ficción mayormente perpetuando clichés racistas, ya sea como villanos malvados y sin corazón o como caricaturas que buscan hacer reír al publico. Para mas inri, en muchos de estos casos, los personajes asiáticos estaban interpretados por actores blancos que imitaban ser asiáticos haciendo uso de la practica conocida como “yellowface” en la que actores blancos cambiaban su apariencia mediante maquillaje para asemejarse a una persona asiática. Lo cual, no solo resultaba tremendamente ofensivo y racista, sino que también impedía a actores asiáticos a acceder a uno de los pocos papeles que podían llegar a obtener.  

A lo largo de la historia del cine, se han ido sucediendo una serie de estereotipos relacionados con esta comunidad: el miedo asiático, que representa a las personas del este de Asia como un peligro para la sociedad occidental; los asiáticos nerdys, que hacen el papel del sabelotodo en la escuela; los asiáticos y las artes marciales, que buscan dar la impresión de que todos los asiáticos saben artes marciales; el asiático dueño de una tienda, o los asiáticos que lucen completamente idénticos son algunos ejemplos  de estereotipos que se han ido prologando en la ficción y se siguen prologando hoy en día. 

Algunas de las películas y series mas alabadas de los últimos años cuentan también con esta representación estereotipada. Por ejemplo, en la famosa película de Chicas Malas hay una representación bastante problemática de un grupo de estudiantes asiáticas con nombres y apellidos que no es mas que un popurrí de nombres vietnameses y coreanos . En la cinta tienen una escena de pelea entre ellas por el entrenador del colegio que resulta especialmente ofensiva ya que su único propósito es usar la estereotipación racial en las que esta basada la totalidad de la narrativa de estos personajes para hacer reír al público. 

Otro ejemplo puede ser el de la conocida serie de Como conocí a vuestra madre que en su novena temporada cuenta con un episodio en el que sus personajes hacen uso de la practica de “yellowface” para hacer una especie de homenaje de mal gusto al kung-fu. 

Y como estos ejemplos, hay mil mas, una gran cantidad de series y películas de ficción cuentan con este tipo de personajes, creados únicamente con el propósito de crear clichés estandarizados sin ningún tipo de arco argumental ni personalidad mas allá de su raza. 

El problema de estas representaciones es que ayudan a normalizar y perpetuar este tipo de estereotipos y comportamientos de tal modo que muchos de nosotros no los identificamos como ofensivos o problemáticos, sino como comunes y esto, inevitablemente es una forma de normalizar el racismo.

 

Laura Sánchez


Where does #StopAsianHate come from and how has the Asian representation in fiction been 

So far this year, the Asian community has been affected by more than a virus. In 2021 there have been more than 3,700 hate incidents against this community. These events have been globalized and correspond to verbal hate attacks, discrimination in the workplace, online harassment, and physical attacks that have resulted in death in some cases. 

A study by the California State University's Center for the Study of Hate and Extremism shows that since the COVID exploded last March, crimes directed at the Asian community have increased by 149% while regular crimes have decreased by 7%. 

However, the turning point came at the same time as a series of shootings at spas and massage places in the Atlanta, Georgia metropolitan area resulting in 8 deaths, 6 of whom were Asians. These incidents had huge media coverage, especially on social media, where they denounced these crimes directed at the Asian community, which led to numerous mobilizations and protests in some of the American cities and the birth of the #stopasianhate movement. 

This movement has not only denounced these attacks, but also has attempted to get the message across that this community has been harassed for many years, even before the emergence of Covid, and one of its main reasons has been Asian representation in fiction and the media. 

Since the early days of Hollywood, the Asian community has appeared in fiction mostly perpetuating racist clichés, either as evil and heartless villains or as caricatures seeking to make audiences laugh. To make matters worse, in many of these cases, the Asian characters were played by white actors who imitated being Asian, perpetuating the practice known as "yellowface" in which white actors changed their appearance through makeup to resemble an Asian person. Which not only was extremely offensive and racist but also prevented Asian actors from accessing one of the few roles they could get. 

Throughout the history of cinema, a series of stereotypes related to this community have occurred: Asian fear, which represents the people of East Asia as a danger to Western society; nerdy Asians who play the smart-ass at school; Asians and martial arts, who seek to give the impression that all Asians know martial arts; the Asian shop owner, or the Asians who look completely identical are some examples of stereotypes that have been extended in fiction and continue to do so today. 

Some of the most praised films and series of recent years also have this stereotypical representation. For example, in the famous movie, Mean Girls, there is a rather problematic representation of a group of Asian students with first and last names which are a mashup of Vietnamese and Korean names. In the film, there is a scene in which they fight over the school coach that is especially offensive since its only purpose is to use the racial stereotyping on which the entire narrative of these characters is based to make the public laugh. 

Another example may be the well-known series How I Met Your Mother, which has an episode in its ninth season in which its characters wear “yellowface” to make a tasteless homage to kung- fu. 

And like these examples, there are a thousand more, a large number of fiction series and films have these types of characters, created solely to form standardized clichés without any kind of story arc or personality traits beyond their race. 

The problem with these representations is that they help to normalize and perpetuate this type of stereotype and behavior so that many of us do not identify them as offensive or problematic, but as common, and this, inevitably, is a way of normalizing racism.

 

Laura Sánchez

Mar 24, 2021

La fiebre de los live actions de Disney

 

No cabe duda de que estamos viviendo la época cinematográfica de los remakes, así como de los live actions, y Disney no podía ser menos, llegando incluso a desarrollar la llamada “fiebre por los live actions de Disney”, un modo narrativo que verdaderamente son una práctica que ha estado presente desde el inicio de Hollywood.

Esta práctica ha sido criticada por ser relacionada con falta de creatividad para generar nuevas historias o por el constante reciclado de personajes para explotar el fandom, ya que es un hecho que la mayor parte de entregas en Hollywood vienen sacadas de un proyecto original.

Nadie puede decir que nunca se ha vuelto a ver su película favorita, esa que, aunque no te pongas aposta, cuando la ves puesta en algún canal de televisión decides no cambiar el canal y tragártela entera, aunque te la sepas de memoria. Lo mismo pasa con las series. Y es que existen estudios que afirman que bien por gusto o por necesidad de volver a sentir lo que sentimos al ver un film o una serie por primera vez, volvemos a reproducir esa vivencia. Y aunque cada vez que la vuelvas a ver parece que te guste más, ya que empiezas a percibir detalles que no te diste cuenta la primera vez, llega un momento que prefieres ver algo nuevo, pero… ¿Y si ese “algo nuevo” fuese “algo antiguo”?

Es por esto por lo que son muchos los que apuestan por los remakes, una historia que tuvo mucho existo en su día y que hoy aún hay gente que la conserva en su cabeza con amor y cariño. Disney es el mejor caso para aprovecharse de esto, ya que sus películas han ido acompañando de la mano a muchas generaciones de personas alrededor de todo el mundo desde bien pequeños, y aunque nos sigan encantando sus películas, llega un momento en que empezamos a mirarlas como películas infantiles de dibujos que no siempre te apetece ver. Es así como Disney le da un giro al panorama con los llamados live actions convirtiendo esas películas infantiles de dibujos en tramas significativamente parecidas de carne y hueso y con un toque más adulto para abarcar así un público nostálgico de su infancia.

Por supuesto no es Disney el creador de los live actions, existe gran variedad de éxitos taquilleros de productoras y directores distintos que salieron antes de esta fiebre como es el caso de los “Pitufos” (2011) o incluso “Garfield: La película” (2004), seguidos de “El Grinch” (2000), “Scooby-Doo” (2002), y una larga lista de éxitos taquilleros.

Sin embargo, aunque Disney parezca haber quemado ya muchas versiones en cuanto a live actions se refiere, todavía nos esperan muchos más estrenos, entre ellos y en este año tenemos a “Blancanieves”, que aun debiendo haber salido a las salas a finales de 2020, por el retraso del COVID-19, todavía no tenemos una fecha exacta de cuándo será su estreno este 2021, “Cruella”, prevista para el 28 de mayo de 2021, así como “La Sirenita” y “Peter Pan y Wendy” a lo largo de este 2021 e incluso 2022.

Es significativo nombrar los cambios establecidos en las tramas de estos live actions en comparación de sus versiones originales que tuvieron lugar en la mitad del siglo pasado, ya que como he nombrado anteriormente, muchos cambios se realizan para acoger a un público distinto. Un público que no solo ha crecido físicamente, sino que también mentalmente, donde viven en una época de cambio social donde se lucha por un cambio del papel de la mujer en el conjunto de la sociedad, así como por un cambio por la representación racial y la diversidad, entre otras cuestiones sociales.

Disney ha sido criticado a lo largo del tiempo por plasmar en sus películas una representación machista y racista de sus protagonistas, sin embargo, en estos nuevos remakes podemos apreciar un gran cambio en estos aspectos. En cuanto a la representación de la mujer, podemos detectar modificaciones en películas como “La Cenicienta” (2015), donde su personaje es mucho más tridimensional ya que conocemos mejor sus motivaciones y, aunque sigue siendo Cenicienta, es una mujer mucho menos pasiva cuya meta es tener coraje y ser bondadosa. Lo mismo ocurre con “La Bella y la Bestia” (2017), o en “Aladdin” (2019), donde apreciamos personajes femeninos mucho más activos e independientes a los hombres de su alrededor.

Mientras que por la parte que le corresponde a la diversidad cultural, también podemos ver un importante cambio en la representación de los personajes, corrigiendo graves errores de apropiación culturar de sus antecesoras. Como en el cambio de protagonista para “La Sirenita”, donde encontramos a la actriz y cantante afroamericana Halle Bailey, algo que resultaba imposible ver en la compañía hasta hace muy poco tiempo.

Con todo esto no queremos decir que Disney no tenga todavía ciertas prácticas problemáticas, sino, que el poder de estos remakes recae en poder ver el progreso que se ha generado en este frente, donde tanto las nuevas generaciones como las más mayores podrán ver que las perspectivas progresistas ya son parte del manistream de Disney.

Isabel Gandía 


Disney's live action fever

There is no doubt that we are experiencing the cinematic era of remakes, as well as live actions, and Disney could not be less, even going so far as to develop the so-called “Disney live actions fever”, a narrative mode that truly is a practice that has been around since the beginning of Hollywood. 

This practice has been criticized for being related to a lack of creativity to generate new stories or the constant recycling of characters to exploit the fandom, since it is a fact that most of the installments in Hollywood are taken from an original project.

 

No one can say that they have never seen their favorite movie again, which, even if you don’t bet on it, when you see it on a television channel you decide not to change the channel and swallow it all, even if you know it by heart. It’s the same with series. And there are studies that say that either by taste or by necessity to feel again what we feel when watching a film or a series for the first time, we reproduce that experience again. And although every time you see her again you seem to like her more, as you begin to perceive details that you didn’t realize the first time, there comes a time when you prefer to see something new, but... What if that "something new" was "something old"? 

This is why so many people bet on remakes, a story that had a lot of existence in its day and that today there are still people who keep it in their heads with love and affection. Disney is the best case to take advantage of this, as its films have been accompanying many generations of people around the world from a young age, and although we still love its films, there comes a time when we start to look at them as children’s cartoons that you don’t always want to see. This is how Disney gives a twist to the panorama with the so-called live actions turning those children’s cartoon films into significantly similar plots of flesh and blood and with a more adult touch to cover thus a nostalgic audience of his childhood. 

Of course, Disney is not the creator of live actions, there is a wide variety of blockbusters from different producers and directors that came out before this fever, such as the “Smurfs” (2011) or even “Garfield: The Movie” (2004), followed by "How the Grinch Stole Christmas" (2000), "Scooby-Doo" (2002), and a long list of box office hits. 

However, although Disney seems to have already burned many versions as far as live actions are concerned, there are still many more premieres awaiting us, among them and this year we have "Snow White", which even should have hit theaters at the end of 2020, due to the delay of COVID-19, we still do not have an exact date of when will be its premiere in 2021, "Cruella", scheduled for May 28, 2021, as well as "The Little Mermaid" and "Peter Pan and Wendy" to throughout this 2021 and even 2022. 

It is significant to mention the changes established in the plots of these live actions compared to their original versions that took place in the middle of the last century, since as I have mentioned before, many changes are made to accommodate a different audience. A public that has not only grown physically, but also mentally, where they live in a time of social change where they struggle for a change in the role of women in society as a whole, as well as for a change in racial representation and diversity, among other social issues. 

Disney has been criticized over time for portraying in their films a sexist and racist representation of its protagonists, however, in these new remakes we can see a big change in these aspects. As for the representation of women, we can detect modifications in films such as "Cinderella" (2015), where her character is much more three-dimensional as we know her motivations better and, although she is still Cinderella, is a much less passive woman whose goal is to have courage and be kind. The same happens with "Beauty and the Beast" (2017), or in "Aladdin" (2019), where we appreciate female characters much more active and independent of the men around them. 

While on the part that corresponds to cultural diversity, we can also see an important change in the representation of the characters, correcting serious errors of cultural appropriation of their predecessors. As in the change of protagonist for "The Little Mermaid", where we find the African-American actress and singer Halle Bailey, something that was impossible to see in the company until very recently.  

With all this we do not mean that Disney does not yet have certain problematic practices, but rather that the power of these remakes lies in being able to see the progress that has been generated on this front, where both the new and older generations will be able to see that the Progressive perspectives are already part of Disney's manistream.

Isabel Gandía