ALIADOS

Dirigida por Robert Zemeckis y escrita por Steven Knight, esta película narra la historia de Max (Brad Pitt), un espía británico que se enamora de Marianne (Marion Cotillard), su compañera francesa en una misión durante el año 1942. Todo parece ir bien, hasta que las alarmas saltan para Max, al sospechar que Marianne puede no ser quien dice ser.  

Este thriller mide bien la intensidad que desata a lo largo de la película, logrando regular el misterio, las sospechas y los sentimientos en los momentos adecuados y en las dosis justas. Los puntos de giro que se van desarrollando, en una película que se toma su tiempo para asentar a los personajes y hablarnos a través de ellos, resultan insospechados en algunos momentos, lo cual provoca un final lógico pero, a su vez, sorprendente y cautivador.  

Se trata de una película que no resalta particularmente por el uso de recursos cinematográficos en su narrativa, si no utiliza planos bastante simples y con características que desvelan muy poco la personalidad o la visión del director. Pese a ello, cabe destacar el uso que se le da al sonido durante todo el film, siendo a través de éste que prevemos muchas de las situaciones y adivinamos los sentimientos más ocultos del personaje protagonista. Este elemento también sirve para arrastrar al espectador hacia lo más profundo de la historia, logrando que no desconecte. Como ejemplo de esto, podemos mencionar las escenas del coche, la del hospital y la del reloj, escenas también con una gran fuerza dramática y narrativa que, por sí mismas, aportan el mayor peso artístico a la película.

 

El trabajo actoral que más destaca es el de la actriz protagonista, Marion Cotillard, que realiza una magnífica interpretación de un personaje complejo, lleno de matices, que es imposible no amar desde el principio hasta el final. No se puede decir lo mismo del personaje de Pitt que, aún interpretándose con acierto, no consigue transmitir esa empatía y queda relegado a la sombra de su compañera.

 

ALLIED

Directed by Robert Zemeckis and written by Steven Knight, this film narrates the story about Max (Brad Pitt), a British spy who falls in love with Marianne (Marion Cotillard), his French partner on a mission during 1942. Everything seems to be going fine until Max has a wake-up call about his wife not being who she claims to be.

 

This thriller measures the film’s intensity in an excellent way, reaching a perfect mix of mystery, suspicion and sentiment feelings at precise moments with the right dose throughout the film. The turning points developed, in a film that takes its time to settle the characters and communicate with us through them, turn out to be unsuspected in some moments, which provokes a logical but, at the same time, surprising and captivating ending..

 

“Allied” doesn’t use an excessive amount of outstanding cinematography for its storytelling, since the shots used are quite simple with few characteristics, not revealing the personality or personal view of the director. Nevertheless, the attention to sound is important to mention because thanks to this we can anticipate situations and guess the main character’s hidden feelings. This element is also useful for dragging the viewer to the deepest essence of the story, getting the spectator not to disconnect from the film. As an example we can mention the scenes of the car, the hospital and the clock, all of which are powerfully dramatic and have a good narrative that, by themselves, provide the biggest artistic weight to the film.

 

The actor’s work that stands out the most is protagonist’s Marion Cotillard. She gives a magnificent performance by giving us a complex character full of hints. This makes it impossible for us to not fall in love with her from the beginning until the end. However, the same can not be said about Brad Pitt’s character who, despite giving a good performance, is unable to transmit to us that empathy, and therefore he is quickly pushed in the shadow of his acting partner.

 

Itsaso Pol

Translation review: Gianni Nanula

“Snapchat es el futuro de la comunicación”, Bolli

Tras perder un partido, Piqué publica un video en Periscope dirigiendo las emociones hacia su persona, en vez de hacia la derrota de su equipo

El pasado mes la Facultad de las Ciencias Sociales y de la Comunicación de UPV Leioa recibió a Bolli Rodríguez (@BolliStuff). Experta en marketing y new media, mostró su parecer sobre el periodismo y la comunicación actual, poniendo en el punto de mira aspectos que influyen de forma directa a la sociedad, como el acoso escolar o la apropiación cultural, y animando a los nóveles periodistas a que empaticen y a que sean dueños de su propio contenido.

Rodríguez afirmó con firmeza que Snapchat es el futuro de la comunicación. A pesar de que su carrera profesional se gestó en YouTube con su canal ‘Todo El Monte Es Orgasmo’, lo tacha de premiar el contenido misógino y machista, sin negar la existencia de comunicadores admirables que luchan por sacar adelante la plataforma. La snapchatera ensalzó la labor de las nuevas generaciones de youtubers que fomentan y dan voz a minorías como las personas de género fluido que, como ella misma, no se consideran ni mujer ni hombre.

“Tenemos un diógenes de contenido innecesario”, razón por la que calificó de eficiente la fugacidad de las publicaciones en Snapchat (24h). Habiendo explicado cómo esta situación ayuda a crear contenido que marque para que así desaparezcan los clasismos que miden la calidad por el número de visitas y de seguidores, insistió en la necesidad humana de conseguir la libertad, “júzgame por mi contenido, no por el número”, sentenció.

Una de sus próximos proyectos es la denuncia del acoso escolar a través de Snapchat. La razón que expuso fue la caducidad ya mencionada, hecho que da un respaldo al acosado para que no reciba una consecuencia dañina inmediata, antes de que se solucione el problema.

Con la fuerza de un tornado en Oklahoma, Bolli advirtió al público, “¡que nadie os diga que no cambiéis!”, sosteniendo la idea de que cambiar es bueno, “nos hace humanos”. Humanidad que conduce a la creación de contenidos que empatizan y que provocan emociones. El jugador del Fútbol Club Barcelona y de la Selección Española Gerard Piqué es un claro ejemplo. Tras perder un partido, el defensa publica un video en Periscope centrando la atención mediática y dirigiendo las emociones hacia su persona, en vez de hacia la derrota de su equipo.

Para conseguir que la empatía sea total, explicó la exyoutuber, lo más apropiado es abarcar un problema local y convertirlo en algo general. Para que la comprensión fuera completa, Bolli usó la apropiación cultural como ejemplificación. “Yo soy negra ecuatoriana y como tengo el pelo muy rizado mi madre para que no se me estropeara me hacía trenzas”, relató dando voz a una mujer que reaccionó a un video en el que ella lucía el famoso peinado.  Cuando iba al colegio su seguidora sufría atropellos porque eran ‘trenzas de negra’. El comentario finalizaba con una reflexión que provocó esa empatía, “me duele mucho ver como unas trenzas que siempre han sido marginales, ahora de repente, porque las lleva la Kardashian, son guays”.

 

Alba Ariz Rodríguez 

  “Snapchat is the future of communication”, Bolli

After losing a match, Piqué divulges a video in Periscope focusing emotions to his person instead of the defeat of his team

Last month the Faculty of Social and Communication Sciences of UPV Leioa in the Basque Country (Spain) received Bolli Rodríguez (@BolliStuff). Expert in Marketing and New Media, she showed her opinion about journalism and current communication, putting the focus on the aspects that directly affect society, such as school bullying or cultural appropriation, and encouraging novice journalists to empathize and to control  their own contents.
 

Rodríguez firmly affirmed that Snapchat is the future of communication. Even though her professional career has developed in YouTube with her channel ‘Todo El Monte Es Orgasmo’, she accused it of rewarding misogynistic contents, without denying the existence of admirable communicators who fight to increase the recognition of this app. The ‘snapchatter’ paid tribute to the work of the new youtubers generations who promote minorities such as gender fluid people who, as herself, don’t consider themselves neither a woman nor a man.
 

“We have an unnecessary diogenes of content”, reason why she described as efficient the fugacity of the Snapchat publications (24h). Having explained how this situation helps to create contents which mark in order to get disappeared the classisms that measure the quality by the visits and followers number, she insisted on the human need of getting freedom, ‘judge me by my content, not by the number”.

 

One of her next projects is reporting bullying by means of Snapchat. The reason she presented was the before mentioned expiry, a fact that supports the injured one in order to avoid an immediate harmful consequence, before solving the problem.

 

With the force of a tornado in Oklahoma, Bolli warned the public, “don’t let anybody tell you not to change!”, supporting the idea that changing is positive, “it makes us humans”. A humanity that carries us to the creation of contents which empathize and cause emotions. The F.C. Barcelona football player Gerard Piqué is a clear example. After losing a match,  he divulges a video in Periscope focusing the media attention and directing emotions to his person, instead of the defeat of his team.
 

To obtain a total empathy, explained the ex-youtuber, the most appropriate thing is to cover a local problem and transform it in general one. For a better understanding, Bolli used the cultural appropriation as an exemplification. “I´m a black person from Ecuador and as I have curly hair my mother used to braid it so it didn’t get ruined”, she related, giving voice to a woman who reacted to a video where Bolli showed off her famous braids. When her follower went to the school she suffered abuses because they were “black´s braids”. The commentary ended with a reflection that caused her empathy, “it hurts so much seeing how braids, which have always been marginal, nowadays, just because Kim Kardashian has them, are suddenly cool”. 
 

Alba Ariz Rodríguez

Translation review: Gianni Nanula

ANIMALES FANTASTICOS Y DONDE ENCONTRARLOS

“Animales fantásticos y dónde encontrarlos”, escrita por J.K Rowling, dirigida por David Yates (“Harry Potter y la Orden del Fénix”, “Harry Potter y el Misterio del  Príncipe” y “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte”) y protagonizada por Eddie Redmayne, ha sido uno de los estrenos más esperados de este 2016. Sin duda alguna, esta secuela que llega cinco años después de la última entrega de “Harry Potter” ha tenido que enfrentarse a la presión de miles de fans alrededor del mundo para lograr que no decaiga la magia y para estar a la altura de sus antecesoras.  

La película comienza con Newt Scamander, un magizoologo que viaja a Nueva York junto con su maletín lleno de criaturas mágicas; el conflicto se da cuando éste se choca con un No-Maj (o muggle) y ambos confunden sus maletines. A su vez, se desarrolla una segunda trama que gira alrededor del mago Grindelwald, personaje bien conocido por todos los seguidores del trabajo de Rowling.  

La película ofrece todos los elementos necesarios para un film de entretenimiento: un buen tempo (que ayuda a un correcto desarrollo de la trama), una muy buena fotografía y la la explotación de los efectos especiales, que resultan impresionantes desde el inicio del film. Sin embargo, lo que más funciona en esta película son algunos de sus personajes. En primer lugar están los animales, que resultan una brisa de aire fresco dentro de un mundo que creíamos que ya había dado todo de sí mismo; además, resulta imposible no encariñarse con algunos de ellos y con su cuidador. En segundo lugar está el personaje de Jacob Kowalski (Dan Fogler), el No-Maj que acaba enredado en el mundo mágico y que se ve sorprendido por todo, lo que hace que se convierta en uno de los personajes más encantadores y carismáticos.

 

 Esta película resulta un guiño a todos los seguidores del universo de Potter. Si bien la primera película acerca del mundo creado por Rowling trataba de un joven que descubría, junto con el espectador, un mundo increíble de magia con escaleras cambiantes y un horrible villano, esta nueva entrega nos coloca en una situación superior como espectadores. Conociendo de antemano el mundo en el que nos adentramos, podemos disfrutar de la cara de asombro de Kowalski según va descubriendo la magia; esto resulta ser uno de los puntos más fuertes en el desarrollo de la comedia en la película. Por otra parte, la mención de personajes que ya conocíamos o que están relacionados con algunos que conocemos, provoca que la historia sea mucho más cercana y que nuestra mente intente enlazar los nuevos eventos con el futuro que ya conocemos.

 

Podría decirse que la película necesita un desarrollo mayor en el personaje de Grindelwald y sus intenciones, ya que en un principio parece esencial para el desarrollo del film pero acaba rápidamente relegado a un segundo plano. Si bien los mayores seguidores de esta historia conocen sus orígenes y su final, aquellos no tan adentrados en las páginas de esta aventura no encontrarán sencillo unir los diferentes puntos; no obastante, podría decirse que esto ha sido intencionado gracias a que sabemos que esta secuela contará con otras cuatro entregas en las que todos los misterios serán resueltos.

 

Por lo tanto toca sentarse y disfrutar, ya que este film no es más que un calentamiento para toda la magia que está por llegar.

 

Itsaso Pol

FANTASTIC BEASTS AND WHERE TO FIND THEM

 

            Without a doubt, the most anticipated film of 2016, “Fantastic Beasts and Where To Find Them” is J.K. Rowling’s latest film instalment, which is set in her magical Harry Potter universe. The film, written by J.K. Rowling, directed by David Yates (“Harry Potter and the Order of Phoenix”, “Harry Potter and the Half-Blood Prince” and “Harry Potter and the Deathly Hallows”), and starring Eddie Redmayne, has come out five years after the last Harry Potter film, which inevitably has some big shoes to fill: it has the task of satisfying millions of fans around the world who all hope the film will measure up to its predecessor.

 

The film follows Newt Scamander, a magizoologist travelling to New York with a suitcase full of magic creatures, until his suitcase is accidentally mixed up with that of a No-Maj (or muggle). Simultaneously, there is a second storyline developed around wizard Grindelwald - who is already well known by the fans of J.K Rowling’s work.

 

An advantage offered by the film is how it delivered the story through the necessary elements that make up an entertaining movie, such as: the rhythm -which allows the plot to evolve easily-, the use of great photography and the special effects are amazing from the beginning onwards. However, what made the film work were its characters. On the one hand, the beasts were a breath of fresh air for a world that was considered no longer able to surprise us anymore, making it impossible not to grow fond of some of the creatures and their carers. On the other hand, we have Jacob Kowalski (Dan Fogler), the No-Maj who ends up mixed in the world of magic and left surprised by everything, which makes him one of the loveliest and sympathetic characters.

The whole experience is a reference to all the fans of the Harry Potter universe. If the first film was where we first saw the world of J.K Rowling through the eyes of a young boy that discovered, along with the spectator, an amazing world of magic with changing stairs and a horrible villain, this new work put the viewers in a superior position. Having prior knowledge on how the magic world works, we are able to enjoy Kowalski’s amusement when he finds out about magic. This is one of the strongest comedy aspects of the film. Furthermore, the name-drops of some characters that we have already met or that are related to others from the previous films help create the illusion of making the film feel closer to home- creating the need to fill in the gaps between the events of the movie and the end of the original saga’s story.

 

It could be said that the film needed to further develop Grindelwald’s character, which would have helped make his intentions a lot easier to be appreciated, since he appears essential to the plot at the beginning but is quickly pushed to the background by the end.  Even though most of fans know its origins and its ending, those that are not so familiar with the story will find it difficult to see past his role within the first film. However, it can be said that this was done on purpose due to the fact that there are four other films to go for further developing the character and answering all our questions.

 

So the only thing to do is to sit and enjoy the first film, since this was no more than a warm up for all the magic that is yet to come.

 

Itsaso Pol

Translation Review: Gianni Nanula

EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

“El hombre de las mil caras” es la nueva película de Alberto Rodríguez, creador del guión junto con Rafael Cobos. Dentro del reparto encontramos actores como Eduard Fernández, Carlos Santos, Marta Etura y José Coronado.  

La historia, basada en la España de los años ’90, cuenta con Francisco Paesa, un ex agente secreto del gobierno español que ayudó en el ataque más importante contra ETA y que se enreda en casos de extorsión durante la crisis de los GAL, siendo obligado a huir del país y a volver años más tarde después de haberlo perdido todo. Es entonces cuando se enciende el motor de la historia con la visita de Luis Roldán, ex director general de la Guardia Civil, que le ofrece una gran cantidad de dinero a cambio de que le ayude y proteja del gobierno español.

Pese a ser una historia de ficción, la relación que guarda con los acontecimientos reales ayuda a crear un vinculo más estrecho con el espectador, que se ve trasladado a una época no muy lejana dentro de nuestra propia historia como país. La película comienza a desarrollarse de una forma apropiada, con un buen tiempo y un trabajo visual y musical muy cuidado. Sin embargo, hacia la mitad la historia se atasca manteniendo al espectador tras acciones que acaban llevando a ninguna parte, hasta que finalmente se da comienzo a la resolución de la historia.  

Sin duda alguna, lo que más cabe destacar de esta película no es su historia si no su tratamiento. A través de una gran iluminación y una fotografía excelente, el director decide hacer una narración poco convencional, llena de presentaciones épicas para sus personajes protagonistas, que no son más que anti-héroes; el cambio a cámara lenta en los momentos acertados, el uso de flahsbacks para ir desvelando pequeñas cosas de forma proporcional y gradual a lo largo de la historia y la presentación de los acontecimientos por capítulos sin ninguna timidez hacen de esta película un gran avance para el cine español, no sólo en tema si no en tratamiento narrativo.

 

Por otra parte, a pesar de contar con grandes nombres, no se puede decir que los actores ayuden a la película, ya que no terminan de atraernos con sus papeles y algunas interpretaciones no resultan convincentes.

 

Se trata de una película con un gran avance en el uso de las estrategias cinematográficas dentro de nuestro cine. Desafortunadamente, la historia acaba siendo demasiado pesada, de hecho se podría prescindir tranquilamente de unos 10-20 minutos o más. El trabajo actoral también resulta mejorable. Aún así, la película nos muestra a través de una brillante narración cómo la España de hoy y la de ayer sigue ocupando las portadas por su corrupción.

THE MAN OF A THOUSAND FACES

 

The new film by Alberto Rodríguez, written by him and Rafael Cobos, is set during the 90’s in Spain. The story follows a former secret agent of the Spanish government, named Francisco Paesa, who had also helped throughout the most important attacks against the terrorist association ETA. He also ended up involved in numerous extortion cases during the GAL crisis, which forced him to leave the country and return some years later when he had lost it all. At that point he receives a visit from Luis Roldán, the former General Director of the Civil Guard, who offers Paesa a large quantity of money in exchange of helping and protecting him from the Spanish government.

 

Even though it is a fictional story, the relationship and the research of real events allows a deeper connection within the viewers, especially since the timeline is not very far into our past, nor in Spanish history and for its people. The story begins appropriately, with good timing, good visual work and with well selected music. However, by the middle mark, the story gets stuck and stagnant, and the viewers are forced to chase action scenes that develop into nothing, until the film decides that it is needed to start solving the conflict.

 

The most important aspect from the film is not its story but rather how the film is prepared, the use of tools such as its great work with lighting and excellent photography. In addition, the director chooses to use uncommon narration that is full of epic presentations for its main characters, which are all anti-heroes. The use of slow motion, flashbacks that help reveal little information gradually through the whole story, presentation of the film’s sequences done by chapters all help to well reflect on the film and for the advancement of Spanish cinema. Not only within its topics but also in their narration style.

On the other hand, despite having a few important names within the cast, such as Eduard Fernández, Carlos Santos, Marta Etura and José Coronado, many of them don’t actually draw the viewers’attention to their characters, and some of their performances are not entirely convincing.

 

This film shows to have a great narrative in its use in cinematography strategies within the Spanish cinema, which is an important achievement. Unfortunately, the story ends up being too slow, repetitive, and it would be easy to remove 10  or 20 minutes from the film, if not more; furthermore, the actors could be better. However, the film does show us how yesterday’s Spain is still on the news for its corruption, and that not everything in the past stays in the past.

 

Itsaso Pol

Translation review:  Gianni Nanula

“El 50% de la invención del expresionismo abstracto es atribuible a mi persona”, Albert Oehlen

El artista lanza una cuestión que continúa presente en él, “¿en qué punto el árbol deja de ser árbol y se convierte en una abstracción?”

La obra del pintor expresionista Albert Oehlen está expuesta en el Museo Guggenheim de Bilbao hasta el 5 de febrero. ‘Detrás de la imagen’ es un conjunto de obras que abarcan los autorretratos, las pinturas abstractas, por ordenador y serigrafías cuyo eje principal es la idea del árbol. En una conferencia ofrecida por el 19º aniversario del museo donde explicó los entresijos de la exposición mostró firmeza ante sus objetivos, “yo creo porque me propongo una tarea, conseguir algo nuevo”.

Es uno de los artistas más controvertidos de la posguerra en Alemania. Influenciado por Joseph Beuys o “el chiflado del sombrero”, se convirtió en miembro del Lord Jim  Lodge junto con Matin Kippenberger o “el showman del grupo”. “Yo no soy historia, soy parte de ella”, dijo un joven Oehlen inmerso en los años sesenta, una época en la que “la pintura se sentía dolida”. Eran una conspiración, es decir, “un grupo de nóveles pintores que creaban pinturas modernas sin implicación social alguna”, rememoró el creador contemporáneo.

Oehlen defendió su postura de no atribuir un significado a su exposición, incitando al público a que se busquen a sí mismos detrás de la imagen y a que den más valor al porqué y al cómo, “simplemente miro lo que se ha conseguido y busco lo que falta”. Sin titubeos y con total convicción afirmó que el 50% de la invención del expresionismo abstracto es atribuible a su trayectoria profesional. 

Su inmersión en la abstracción comenzó en 1988 cuando decidió instalarse en Andalucía con otro miembro de la generación ‘enfants terribles’, Kippenberger. “Fue una etapa en la que todos mis óleos eran feos”, admitió el propietario de un estudio en Bermeo. Tras días y noches de convivencia y reflexión conjunta llegaron a la conclusión de que su único afán era conseguir un cambio, pero al contrario que su amigo y catedrático de la Universidad de Kassel, siendo fiel a la pintura.

En 1992 comenzó un reto, profundizar en los movimientos realizados por la mano con el ratón. Las ‘pinturas por ordenador’ no han supuesto el abandono de la pintura como técnica principal. Oehlen creaba dibujos en blanco y negro con el ratón de las primeras computadoras aprovechando las pixelaciones debido a la mala calidad. Después las serigrafiaba y las pintaba en el lienzo.

La última parte de la exposición está enfocada en los ‘Árboles’. Creados sobre láminas de polietileno, el artista lanza una cuestión que continúa presente en él, “¿en qué punto el árbol deja de ser árbol y se convierte en una abstracción?”. Esta serie presenta imágenes con estructuras arbóreas de color negro sobre fondos donde predomina el magenta.

Alba Ariz Rodríguez

“The 50% of the invention of abstract expressionism is attributable to my person”, Albert Oehlen

The artist launches a matter which continues present inside him, ¿in which point the tree stops being a tree and turns into an abstraction?

Expressionist painter Albert Oehlen´s work is exhibited at the Guggenheim Museum in Bilbao until the 15th of February. ‘Detrás de la imagen’ (‘Behind the Image’) is a combination of paintings including self-portraits, abstract and computer paintings and serigraphs whose main focus is the idea of the tree. In a conference that he gave in the museum due to its 19º anniversary, he explained the hidden details of the exhibition showing firmness about his aims, “I create because I propose myself a task and to get something new”.

Oehlen is one of the more controversial artists of the postwar in Germany. He is influenced by Joseph Beuys or “the crackpot of the hat” and became part of Lord Jim Lodge, with Matin Kippenberger or “the showman of the group”. “I´m not history, I’m part of it”, said a young Oehlen immersed in the 60s, a period where “painting felt hurt”. They were a conspiracy, i.e., “a novice painters group who created modern pictures without social implication”, remembered the contemporary creator.

Oehlen defended his opinion of not attributing a meaning to his exhibition, inciting the public to look for themselves behind the images and to give more value to the whys and hows, “I simply see what has been accomplished and I look for what is lacking”. Without hesitation and with total conviction he affirmed that 50% of the abstract expressionism is attributable to his professional career.

His immersion in the abstraction began in 1988 when he decided to settle in Andalucía with another member of the ‘enfants terribles’ generation, Kippenberger. “It was a period when all my oil paintings were ugly”, admitted the owner of a study in Bermeo. After days and nights of coexistence and combined reflection, they came to the conclusion that their only desire was getting a change, but differently from his friend and professor of the University of Kassel, being loyal to the painting.

In 1992 he started a challenge, i.e., going in depth of the movements carried out by the hand with the mouse. ‘Computer Paintings’ had not supposed the abandonment of painting as the principal technique. Oehlen created drawings in black and white with the mouse of the first computers taking advantage of the pixelatings because of the low quality. Then he elaborated serigraphs and painted them on the canvas.

The last part of the exhibition focuses on ‘Trees’. Created on polyethylene sheets, the artist launches a matter which is still present inside him, “in which point the tree stops being a tree and turns into an abstraction?”. This series presents images with black arboreal structures on bases where magenta predominates.

Alba Ariz Rodríguez

Translation review: Gianni Nanula

 

LA CHICA DEL TREN

“La chica del tren”, película estadounidense dirigida por Tate Taylor, es una adaptación de la novela“The Girl on the Train” de Paula Hawkins, siendo Erin Cressida Wilson la encargada de realizar el guion de la película.  

 

 

 La película es narrada desde el punto de vista de Rachel (Emily Blunt) que, devastada por el reciente divorcio que ha atravesado, fantasea sobre la vida de una pareja cuya casa se ve desde el tren que coge para ir al trabajo. Una mañana como cualquier otra, desde la misma ventana del tren, es testigo de un acontecimiento que traerá un misterio que se verá obligada a resolver.

 Esta es una de las películas más esperadas por todos los seguidores de la novela de Paula Hawkins,  pero no es la mejor película de Tate Taylor. Con un comienzo en el que se generan grandes expectativas, el inicio de la película se hace demasiado lento y largo para la simple situación que se nos quiere exponer. Sin embargo, una vez que llega el punto de giro de la historia, el espectador se ve sumergido en la película y en todos los pasos que sigue su protagonista para resolver el misterio que la rodea. 

 

En cuanto al guion, hay acciones que se salen totalmente del esquema racional por el que se rige cualquier ser humano, casi como ocurre en las películas de terror para que la historia pueda continuar. Sin embargo, en este caso parecen ocurrir sin tener ninguna razón en particular, o al menos la explicación no viene implícita en la película.

Con un nuevo punto de giro que cambia las tornas de todo y que da tanta fuerza a la historia, el final resulta decepcionante y acaba sin satisfacer al espectador, que tras semejante revelación queda esperando algo más.

 

 Cabe destacar el trabajo de Emily Blunt, que consigue interpretar a un personaje complejo sin caer en clichés, manteniendo una naturalidad que se agradece a lo largo de toda la película. El trabajo de fotografía también resulta destacable en esta película. No obstante, es el tratamiento de la historia lo que nos deja a medias con lo que podría haber sido una gran película. 

 

  

 

 

THE GIRL ON THE TRAIN

 

 “The Girl on The Train” is an American film directed by Tate Taylor. It’s based on the book of the same title written by Paula Hawkins, adapted for the big screen by Erin Cressida Wilson.
 

 The film is narrated from the point of view of its main character, Rachel ((Emily Blunt), a woman who is feeling devastated because of the recent divorce she has been going through. She takes everyday the train to go to work and fantasies about the life of a couple, whose house she is able to watch from the window where she sits on the train. One day, from this same window she witnesses an event that would create a mystery that she would have to solve.
 

 This is one of the most anticipated films by the fans of Hawkins’ book, but it’s not the best of Tate Taylor’s films. Despite having a beginning that creates high expectations for the viewers, the first part of the film is too slow and too long for the simple situation that it wants to introduce. Yet, once the main conflict of the story appears, the viewers can get submerged into the plot and the decisions the main characters takes in order to solve the mystery she is surronded by.
 

In the script there are actions that come across as too unbelievable, refusing to follow rational behaviour that every human being has, a trait typically seen in horror films in order to further push the story; however, in this case, they seem to be done without rhyme or reason, or that the explanation is not given in the film. There is a turning point near the end that changes everything and gives strength to the story. But, despite this, the end falls flat, leaving the viewers disappointed and unsatisfied.
 

A special mention must be given to Emily Blunt’s work. She is able to embody a complex character without falling into clichés and keeping an organic performance, which is always consistent throughout the film. The photography is also very good and does the film well. However, the treatment of the story is what leaves us halfway between an average film and what could have been a great film.

 

Itsaso Pol

Translation review: Gianni Nanula