De la amistad y esas cosas

 “Truman” es la última película de Cesc Gay, con Ricardo Darín y Javier Cámara al frente. He de reconocer que cuando entré en la sala solo sabía cuatro cosas de la película; no sabía si iba a llorar, a reír o qué iba a pasar. Pues bien, pasó de todo, reí y lloré, es una película que emociona tanto por la historia que nos viene a contar, como por la interpretación de ambos actores, que se reparten el peso del film al 50%.  

En primer lugar me gustaría destacar el guion, ya que toda la película es una larga conversación entre ambos actores, y te mantiene pendiente de ella en todo momento; esto también hay que agradecérselo a los dos protagonistas, la mirada de Javier Cámara es más que destacable, el primer momento en el que se ven los dos amigos después de tanto tiempo, no hace falta decir nada porque esa forma en la que se miran ya lo dice todo. Ricardo Darín no se queda atrás, ni mucho menos, en este film su personaje tiene gran carga emocional y nos transmite con una paz y tranquilidad todo lo que está viviendo que es francamente impresionante.

 

La película nos cuenta el último encuentro entre dos amigos de verdad. El motivo del reencuentro no es el más deseado, pero desde luego la forma en que Cesc Gay nos cuenta estos días entre los dos amigos es alucinante. A pesar de todo el film transmite ilusión por la vida, por valorar a las personas que tenemos a nuestro alrededor y no complicarnos tanto. Por otro lado nos habla de la libertad de decidir, pese a todo lo que está ocurriendo hay ciertas decisiones que nos siguen perteneciendo a nosotros mismos y Truman es una película llena de ellas.

 

El tema principal está cargado de emociones, ya que es una situación muy difícil de afrontar para cualquier persona, pero Cesc Gay nos lo cuenta a través de algo tan puro como la amistad, la amistad entre dos hombres adultos y el amor incondicional del personaje de Darín por su perro. De hecho, una de los objetivos de su personaje es encontrarle un nuevo dueño a Truman para cuando él no esté.        

Volviendo a la relación entre los dos protagonistas, ¿qué mejor muestra de amistad que respetar la decisión de tu amigo? El personaje de Javier Cámara afronta esos cuatro días como lo que son, una despedida, pasar los días con su amigo y disfrutar de él siendo generoso y sin presionarle en sus decisiones.  Un papel muy complicado de asumir en cualquier relación, entender y respetar que la otra persona ha tomado una decisión y si realmente te importa debes aceptarlo y estar a su lado, sin más.

 

 “Truman” ya ha empezado a recoger premios y es que la interpretación en esta película les ha valido tanto a Javier Cámara como a Ricardo Darín el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de San Sebastián 2015.

 

Mónica Segarra.
 

Friendship and stuff

 

"Truman" is the latest film by Cesc Gay, with Ricardo Darin and Javier Camara forward. I must admit that when I walked into the cinema just knew four things from the movie; I didn't know if he was going to cry, to laugh or what was going to happen. Well, everything happened, laughed and cried, is a thrilling movie by history that comes to tell us, for the interpretation of both actors, the film weight of 50% spread.

 

In the first place,  I would like to highlight the script, and the whole film is a long conversation between the two actors, and keeps you aware of it at all times; this is thanks also to the two protagonists, the look of Javier Camara is more remarkable, the first time that the two are friends after all this time, you don't say anything because that way they look and says it all. Ricardo Darin isn't far behind, much less in this film his character is emotionally charged and conveys peace and tranquility with all that is living that is downright impressive.

 

The film tells the last encounter between two real friends. The reason for the reunion isn't the most desirable, but then from the way Cesc Gay tells us these days between the two friends is amazing. Yet the film conveys enthusiasm for life, value the people we have around us and not complicate much. On the other hand he speaks of the freedom to decide, despite everything that is happening there are certain decisions that we still belong to ourselves and Truman is a film full of them.

 

The main issue is emotionally charged because it is a very difficult situation to face for anyone, but Cesc Gay tells him through something as pure as friendship, the friendship between two adult men and unconditional love of character Darin for his dog. In fact, one of the goals of your character is to find a new owner for Truman when he is not.

 

Returning to the relationship between the two protagonists, what better token of friendship to respect the decision of your friend? Javier Cámara's character faces those four days for what they are, a farewell, spend the day with his friend and enjoy it without pressuring being generous in their decisions. Very difficult to assume a role in any relationship, understand and respect the other person has made a decision and if you really care must accept and be with him, nothing more.

 

"Truman" has already started collecting awards is that the performance in this film has earned them both Javier Cámara and Ricardo Darin the Best Actor Award at the 2015 San Sebastian Film Festival.

 

Mónica Segarra.

La joya de Daniel Guzmán

A cambio de nada, la película que Daniel Guzmán estrenó en mayo de este mismo año, cuenta la historia de un adolescente que está atravesando un momento bastante complicado. La separación de sus padres (Luís Tosar y María Miguel) y el modo en el que estos lo están llevando hacen que Darío (Miguel Herrán) quiera alejarse de ellos el máximo posible.   

Darío se refugia en una anciana que conoce por casualidad, Antonia (Antonia Guzmán) y en un mecánico, Caralimpia (Felipe Vélez) que le da un lugar donde vivir y un trabajo para ganar algo de dinero, aunque de manera un poco sospechosa en algunos momentos. Entre ellos dos y su mejor amigo, Luismi (Antonio Bachiller), le hacen el verano un poco más agradable a Darío.       

Una de las cosas que más me ha llamado la atención de este film es el reparto, encontramos a actores consagrados como puede ser Luís Tosar, frente a actores que nunca se habían puesto frente a las cámaras, como es el caso de Antonia Guzmán, la abuela del director. Creo que la combinación de estos dos tipos de intérpretes es perfecta, porque, por ejemplo, el papel de Antonia transmite cierta ternura, pero a la vez vemos una mujer fuerte, dispuesta a hacer lo que haga falta a pesar de su edad. En cierto modo se respira mucha verdad y frescura en el papel de esta señora, que de ser una actriz profesional probablemente no se hubiese conseguido.  

Daniel Guzmán habla de la influencia que ha tenido en él la Nouvelle Vague, con autores como Truffaut o Godard, y esto se nota en la película. Nos cuenta la historia tal cual, como si de repente se hubiese encontrado con estos dos chicos y hubiese decidido grabar su historia. Al ver esta  película me he acordado bastante de Los cuatrocientos golpes (François Truffaut), el adolescente rebelde, pero inocente al mismo tiempo, que lo único que busca es la comprensión y cariño de sus padres, pero al no encontrarlo necesita salir de ese entorno para intentar encontrar la libertad y felicidad de alguna otra manera. Lo que busca es llamar la atención de sus padres, reunir el valor para decirles lo que realmente siente, y esto muchas veces no es fácil, necesitas dar varios rodeos para llegar a donde quieres y decirle a las personas que te importan lo que sientes realmente. Esto es lo que le pasa a nuestro protagonista, se encuentra un poco perdido y su mayor apoyo es su amigo, como también le pasa al joven Doinel.            

Pese a contar una historia dramática, Guzmán logra arrancarnos varias sonrisas a lo largo de todo el film. La inocencia de los adolescentes, la relación de Darío con Antonia, en algunos momentos surrealista y también con Caralimpia, que lo trata como a un hijo y a la vez como a su mejor amigo; lo bonito de esto es que es recíproco, tanto con Antonia, como con el mecánico, Darío muestra mucho cariño y respeto por ellos, tal vez el que a veces echamos de menos en sus padres, pero está claro que la situación conyugal no les permite preocuparse por su hijo tanto como quisieran, están tan preocupados por conseguir “ganar” a su ex-pareja que se olvidan de que tienen un hijo en común que está en medio de esa pelea.

 

Esta película tiene un gran trabajo detrás, como todas, pero algunas tienen más suerte a la hora de salir a la luz y a esta le ha costado un poquito más, ya que buscar la financiación costó dos años, además de los cinco de escritura del guion y unos dos años más entre rodaje y pos-producción. Pero sin duda alguna el resultado ha sido estupendo, es una película que yo recomendaría a todo el mundo, y así he hecho desde que la vi. Tampoco pasó inadvertida en el Festival de Málaga, donde consiguió la Biznaga de Oro a la mejor película y también la Biznaga de Plata Premio Especial del Jurado de la Crítica. Además, hace unas semanas consiguió el premio a Mejor Película en el Festival de Cine Español de Toulouse. 

 

Si todavía tienes dudas, aquí puedes ver el tráiler.

 

Mónica Segarra

The jewel of Daniel Guzman

 

A cambio de nada, Daniel Guzman film premiered in May of this year, tells the story of a teenager who is going through a very difficult time. The separation of their parents (Luis Tosar and Maria Miguel) and the way in which these are being made so that Darío (Miguel Herrán) wants to get away from them as much as possible.

 

Dario takes refuge in an old woman known by chance, Antonia (Antonia Guzman) and a mechanic, Caralimpia (Felipe Vélez) that gives you a place to live and a job to earn some money, although a bit suspicious in some moments. Between them and his best friend, Luismi (Antonio Bachiller), make it a little nicer to Darius summer.

 

One of the things that most caught my attention in this film is the cast, we find enshrined actors such as Luis Tosar, opposite actors who had never been on camera, as in the case of Antonia Guzman, the grandmother of the director. I think the combination of these two types of shells is perfect, because, for example, the role of Antonia conveys a certain tenderness, yet we see a strong woman, willing to do whatever it takes despite his age. In a way much truth and breathes freshness into the role of this lady, that of being a professional actress probably has not been attained.

 

Daniel Guzman speaks of the influence he has had on the Nouvelle Vague, with authors like Truffaut and Godard, and it shows in the film. It tells the story as it is, as if suddenly I had met these two guys and had decided to record their history. Seeing this film I remembered enough of The 400 Blows (François Truffaut), the rebellious teenager, but innocent at the same time that all he seeks is the understanding and love of their parents, but not finding needs to get out of that environment to try to find freedom and happiness in some other way. It seeks to draw the attention of their parents, the courage to say what you really feel, and this is not easy sometimes, need to take several detours to get to where you want and tell people that you care about how you feel really . This is what happens to our protagonist, it is a little lost and more support is your friend, as also happens to young Doinel.

 

Despite having a dramatic story, Guzmán manages to wrest several smiles throughout the film. The innocence of adolescents, the relationship of Antonia with Darío, in some surreal moments and also Caralimpia, who treats him like a son and also as his best friend; the beauty of this is that it is reciprocal, both with Antonia, as the mechanical, Dario shows much love and respect for them, maybe sometimes we miss their parents, but it is clear that the marital status doesn't allow them worry about your child as much as they are so concerned about getting to "win" her ex-partner who forget they have a child together who is in the midst of that fight.

 

This movie does a great job behind, like all others, but some are luckier when come to light already has cost a little more, and to seek funding it took two years, plus five scriptwriting and about two years between shooting and post-production. But undoubtedly the result has been great, it's a movie that I recommend to everyone, and have done so since I saw. Nor unnoticed in the Malaga Film Festival, where he won the Gold Biznaga for best film and the Silver Biznaga Critics Jury Special Prize. Also, a few weeks ago he won the award for Best Film at the Spanish Film Festival of Toulouse.

 

If you still have doubts, here you can see the tràiler.

  

Mónica Segarra.

“Lo que posees terminará poseyéndote” - Tyler Durden

“El Club de la Lucha” (Fight Club, David Fincher, 1999), una adaptación de la novela de Chuck Palahniuk, cuyos actores principales son Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter.

Creo que se trata de una gran crítica hacia el capitalismo, el imperio de las multinacionales y la sociedad en la que vivimos; a la filosofía de usar y tirar a la que estamos acostumbrados, los métodos de autoayuda, etc. Nos muestra a través de las multitudes, la soledad del protagonista y la velocidad a la que vamos, que no nos permite llegar a tomar contacto con el espacio que nos rodea.

Esta película, asume todas las libertades expresivas, formales y textuales, alcanzadas en el decenio barroco del cine norteamericano. Nos muestra una época en la que el sistema capitalista es el gran triunfador y en el que triunfa el individualismo de las personas. El personaje principal sufre esquizofrenia, si nos fijamos, la producción del capitalismo tiene una clara vertiente esquizofrénica, ya que mientras tiende hacia el límite, lo rechaza. Esto es lo que le ocurre a nuestro protagonista, vive una vida al límite, pero a la vez reprime esta tendencia.

Se muestra el espíritu consumista de la sociedad a través del personaje principal, un comprador compulsivo. Intenta, mediante la compra, satisfacer sus deseos, pero estos nunca quedarán resueltos del todo; lo que realmente quiere, sus fantasías y deseos, han sido reconvertidos en un objeto de consumo, por tanto, cree que si tiene todos los muebles, cortinas, un televisor estupendo y un largo etcétera de objetos, conseguirá una felicidad plena, sin embargo, nada de esto consigue dejarle dormir por las noches. Vivimos en un mundo en el que todo va demasiado deprisa y no hay tiempo para detenerse en las relaciones personales e intentar lograr la felicidad a través de ellas. Por tanto nos acostumbramos a las raciones individuales, incluso raciones individuales de amistad, lo que hace que se caiga en una esquizofrenia constante, de la que no nos damos cuenta porque realmente toda la sociedad está igual, y parece que esta es la dinámica normal.

En esta película observamos fragmentos con una textura basta y diversos fotogramas subliminales que nos recuerda a la vanguardia y al cine experimental. Además de un gran relativismo de la obra, que exalta la coherencia y la grandeza de los actos atroces. David Fincher es un ideólogo del neorreaccionarismo, y fiel a una estética progresiva, nos muestra la decadencia del sueño americano, enseñándonos las dos caras de la moneda.

Para mí una de las mejores escenas de la película es la última, en la que volvemos al principio: el narrador sentado en una silla y Tyler le apunta con una pistola, y le dice “medita lo que hemos conseguido”, refiriéndose a la destrucción de la sociedad que han llevado a cabo. En ese momento, el narrador hace una muestra de la recuperación mental a la que ha llegado, es consciente de que Tyler es una alucinación y que es parte de él, por lo que, si Tyler tiene una pistola en la mano, realmente la pistola está en su mano, así pues el arma pasa a la mano del narrador. Ante la situación de caos, el narrador se da cuenta de que solo le queda la opción de matar a Tyler, para esto debe pegarse un tiro a él mismo, se mete la pistola en la boca y se dispara. Al pegarse el tiro Tyler cae desplomado, volvíendose a reestablecer el orden, pero es demasiado tarde y ya no hay tiempo de frenar la caída de los edificios que habían planeado.

La película comienza con una escena del final, después con la voz en off el narrador nos traslada a un momento inconexo para presentarnos a Bob, esta elipsis temporal es enlazada con la continuidad del movimiento del personaje, se empieza a mover en la primera secuencia y termina el recorrido en la siguiente. Con la voz en off nos traslada a otro momento y espacio, el cual ya es el principio de la película. Así pues, podemos decir que toda la película es un largo flashback, una retrospectiva que termina en el momento inicial.

A continuación analizaremos a los protagonistas del film; en primer lugar Tyler Durden (Brad Pitt) su forma de vestir contrasta con el resto de la película, de este modo podemos intuir que no se trata de un personaje real. Es una explosión de color en la vida del narrador, el rojo siempre está presente en las vestiduras de Tyler, ya sea en la cazadora, las gafas o los pantalones, este color significa fuerza y pasión, tal vez la que le falta al narrador. Al final de la película, está mucho más crecido y violento, sale con el pelo rapado, más fuerte, con bigote y gestos más bastos. Este personaje es el encargado de enseñarle al narrador a través de peleas a amar la vida por sí misma y no por sus productos, a disfrutar del bien y del mal, lo prepara para ser un Super Hombre que guíe a la humanidad hacia los valores auténticos. De hecho una vez el narrador se ha convertido en este Super Hombre ya no necesita a Tyler, y debe matarle para seguir su camino, siendo capaz de seguir creciendo bajo unos valores y una moral que él mismo se ha impuesto, es aquí donde el amor ya tiene cabida, de hecho hasta que Tyler no desaparece el narrador no es capaz de coger a Marla de la mano.

En lo que respecta al narrador (Edward Norton), viste sobre todo con tonos grises, es en su vestimenta donde observamos el cambio, deja de llevar corbata, se abre la camisa, no se cuida, empieza a fumar, poco a poco convierte en Tyler Durden. Se deja influenciar, no tiene ni valores propios, ni fuerza para vivir, simplemente soporta la carga que la sociedad le impone, se dedica a seguir las reglas marcadas, debe ascender en la autorrealización personal y para ello tiene que consumir lo que le manden.

Una de las cosas que más me ha llamado la atención es su enorme y profundo sentido del humor. Es cierto que habla de asuntos graves y complejos, pero también construye su discurso desde la ironía y la sátira y eso alivia el peso que recae sobre su carga ideológica. Tras ver este film, uno puede estar de acuerdo con las cuestiones que plantea o no estarlo en absoluto; puede observar una apología a la violencia y al terrorismo o ver una historia de amor alucinada y rabiosa. Pero lo que uno no puede es quedarse indiferente.

 “Quien poco posee, tanto menos es poseído” Nietzsche

Mónica Segarra.

"What you possess will end possessing you" - Tyler Durden

"Fight Club" (David Fincher, 1999), an adaptation of the novel by Chuck Palahniuk, whose main actors are Edward Norton, Brad Pitt and Helena Bonham Carter.

I think this is a great criticism of capitalism, multinational empire and the society in which we live; philosophy of throwaway to which we are accustomed, self-help methods, etc. It shows through the crowds, the loneliness of the protagonist and the speed at which we are going, that doesn’t allow us to get into contact with the space around us.

This film takes all the expressive, formal and textual freedoms, reached in the baroque decade of American cinema. It shows us a time when the capitalist system is the big winner and where individualism triumphs of people. The main character suffers from schizophrenia, if you look, the production of capitalism has a clear schizophrenic side, because while tending to the limit, rejected. This is what happens to our protagonist, lives a life on the edge and yet represses this trend.

The consumer spirit of society is shown through the main character, a compulsive buyer. Try, by buying, satisfy their desires, but they never will be solved at all; what he really wants, fantasies and desires, have been converted into a consumer object, therefore, he believes that he has all the furniture, curtains, great TV and a long list of items, get a full happiness, however, none of this gets let him sleep at night. We live in a world where everything is going too fast and there is no time to stop on personal relationships and try to achieve happiness through them. So we got used to the individual portions, including individual portions of friendship, making it falling in a constant schizophrenia, which we don’t realize that all of society is really like, and it seems that this is the normal dynamics.

In this film we see fragments with coarse texture and various subliminal frames reminiscent of the avant-garde and experimental cinema. In addition to a great relativism of the work, which enhances the consistency and the greatness of the heinous acts. David Fincher is an ideologue of “neo-reactionaries”, and faithful to a progressive aesthetic, shows the decline of the American dream, showing us the two sides of the coin.

The last is one of the best scenes in which we return to the beginning: the narrator sitting in a chair and Tyler pulls a gun, and says "meditate what we have achieved," referring to the destruction of society that they have been carried out. At that point, the narrator makes a sign of mental recovery that has come, he is aware that Tyler is a hallucination and that is part of him, so if Tyler has a gun in his hand, really, the gun is in his hand, so the gun goes hand of the narrator. Given the chaotic situation, the narrator is left with the only option of killing Tyler, for this must be shot himself, the gun into his mouth and fired. Tyler shot the stick falls collapsed, turning to restore order, but it is too late and there is no time to slow the fall of the buildings they had planned.

The film begins with a scene at the end, after the voiceover narrator takes us to a disjointed time to introduce Bob, this temporal ellipsis is linked to the continuity of the movement of the character, you begin to move in the first sequence and the tour ends in the next. With the voice takes us to another time and space, which is already the beginning of the film. So, we can say that the whole film is a long flashback, a retrospective that ends at baseline.

Let's see  the protagonists: first Tyler Durden (Brad Pitt), his dress contrasts with the rest of the film, so we can guess that there is a real character. It’s an explosion of color in the narrator's life, red is always present in the garments of Tyler, either jacket, goggles or pants, this color means strength and passion, perhaps missing the narrator. At the end of the film, it is grown more violent, out with a crew cut, stronger, with a mustache and gestures coarser. This person is responsible for teaching the narrator through fights to love life for itself and not for their products, to enjoy the good and evil, he prepares to be a Super Man to guide mankind to the true values. In fact once the narrator has become this Super Man does not need to Tyler, and must kill to go his way, being able to continue to grow under certain values ​​and morals that he has set, this is where the love and it has no place, in fact until Tyler does not disappear the narrator is unable to catch Marla hand.

Regarding the narrator (Edward Norton), dressed mostly in gray tones, is in her dress where we see the change, stop wearing a tie, shirt open, don’t care, start smoking gradually becomes Tyler Durden. Swayed, it has neither own nor strength to live values, simply supports the burden society imposes, is dedicated to follow the marked rules, should move up the personal self and it has to consume what they tell you.

One of the things that most caught my attention  is its huge and deep sense of humor. It’s true that talking about serious and complex issues, but also builds his speech from the irony and satire and it relieves the burden that falls on its ideological burden. After seeing this film, one can agree with the issues raised or not to be at all; you can see an apology for violence and terrorism or see a story of love amazed and furious. But what one cannot remain indifferent.

"Whoever has little, the less is possessed" Nietzsche

Mónica Segarra.

Moonrise Kingdom

Moonrise Kingdom (Wes Anderson, 2012), cuenta con actores como Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray y Frances McDormand, además de los niños protagonistas, Jared Gilman y Kara Hayword. Con un guión de Wes Anderson y Roman Coppola, y música original de Alexandre Desplat.

La historia está ambientada en los años 60, en la isla de New Penzance; narra la historia de dos niños que deciden escapar juntos, él está en los Boy Scouts, y se escapa del campamento que tienen montado; ella vive en casa con sus padres y sus hermanos. Cuando la gente que les rodea se da cuenta que han desaparecido, llaman a la policía y se ponen rápidamente a la búsqueda, pero cuando consiguen encontrarlos todos parecen estar en contra del amor de los dos niños, y mientras los adultos intentan solucionar sus propios líos, ambos niños intentan seguir juntos.

La estética que presenta este film es totalmente diferente al de las grandes producciones que estamos acostumbrados, narra una historia de amor, pero totalmente distinta a la típica comedia romántica. Anderson trata la historia de otro modo, dándole cierto toque de humor y haciendo que algunas circunstancias que son totalmente improbables no nos parezcan tan extrañas.

Los personajes están pensados al milímetro y muy cuidados, no son los típicos personajes a los que estamos acostumbrados; los niños, están explorando la pérdida de la inocencia, pero a su vez todo está tratado de una manera muy ingenua y aunque parezca sencillo, esto conlleva un gran trabajo narrativo.

Respecto al guion, su claridad no solamente nos mete de lleno, sino que nos hace cómplices de la historia de amor entre los dos jóvenes. Logra un realismo en algunos momentos mágico, como ya he dicho antes, hay ciertas cosas que solo tienen sentido por cómo está tratada la película. Los colores, al ser todos cálidos encajan perfectamente los unos con los otros, cabe destacar que el predominante es el amarillo. Esto no hace más que acentuar la idea de que la historia transcurre durante unos días de verano y además dota de cierto toque nostálgico a la historia. Pero esto no tendría sentido si la música no acompañara, y es que la banda sonora está hecha al detalle y juega como un personaje más del film.

Por otro lado, se nota que el film cuenta con un gran trabajo previo a la grabación, está todo completamente milimetrado, hasta el más mínimo detalle. El director tenía muy claro lo que quería y cómo lo quería. Es una película muy llamativa visualmente hablando, hay veces que sobran las palabras y Anderson lo sabe muy bien, y sabe cómo conseguirlo, con una fotografía perfecta.

Respecto a la música, es muy importante, ya que incrementa aún más esta sensación de perfección en todos los escenarios. Se modifica el tempo de la misma dependiendo de los obstáculos naturales que se van encontrando. Al principio de la película empieza a sonar una melodía, acompañada de la explicación de un niño diciendo los instrumentos que se van añadiendo en cada momento. Cuando llegamos a los créditos finales, la melodía principal es presentada por el niño del mismo modo que la del inicio. Con esto, el director logra mantenernos de cara a la pantalla hasta que ya han acabado los créditos finales.

El tema principal es el primer amor y por tanto ese despertar sexual que muestran ambos niños, que queda perfectamente retratado en la escena en la que Suzy y Sam están bailando en la playa. El amor que sienten el uno por el otro triunfa, porque las bases del mismo es el respeto y la comprensión. Él es el único que la entiende a ella, y por eso consigue acercarse.

Desde mi punto de vista estamos frente a una película que cuenta con un gran trabajo tanto de preproducción como en postproducción. Ayuda bastante que el director tenga un estilo muy marcado y que la mayoría de sus films los podemos relacionar de algún modo u otro.

El modo en el que el director ha querido abordar este tema, el primer amor, no desde el punto de vista que estamos acostumbrados a ver en otras películas, sino metiéndose de lleno en la piel de dos niños que realmente tienen serios problemas, ninguno de ellos es feliz en su respectivo hogar, ambos están algo atormentados y esto hace que su modo de afrontar las cosas sea totalmente diferente a lo que estamos acostumbrados.

Respecto a la narrativa, el autor nos explica un cuento infantil en el que los dos niños son perseguidos por el lobo y el cazador, aunque no sean dos personajes exactamente los que les persiguen, sino un grupo de niños y adultos. Los persiguen en principio porque se han escapado de casa, y del campamento de los Boy Scouts. Ambos jóvenes se han sumergido en la que será la aventura de sus vidas, y les da igual lo que el resto diga, de lo que no son conscientes es de que esta historia no solo les afecta a ellos, y que esto también cambia la vida de los adultos.

Narrativamente es una película muy potente, ya que parece una historia sencilla, pero que no te deja indiferente, esto es por la gran carga expresiva de las imágenes, sobretodo la fuerza que transmiten los colores, y en cierto modo por el tipo de diálogo que presenta, es bastante sencillo y no son conversaciones excesivamente largas, esto dota de mucho ritmo a la película, y no se hace pesada en ningún momento.

Por otro lado, el sabor final que te deja la película es muy bueno, sientes que has visto un film aparentemente sencillo, pero que a través de algo tan inocente como son los niños nos muestra algunos de los aspectos más complicados del día a día de un adulto. De hecho, esto lo podría haber buscado mediante los personajes adultos de la película, pero no hubiese conseguido la ternura que despiertan los niños, ni tampoco la inocencia en ciertos momentos.

Mónica Segarra

Moonrise Kingdom (Wes Anderson, 2012), features actors like Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray and Frances McDormand in addition to the child actors, Jared Gilman and Kara Hayword. With a screenplay by Wes Anderson and Roman Coppola, and original music by Alexandre Desplat.

The story is set in the 60s, on the island of New Penzance; tells the story of two children who decide to escape together, he is in the Boy Scouts, and escapes from the camp who have mounted; She lives at home with his parents and siblings. When people around you realize you are gone, call the police and quickly put the search, but when they get to find all seem to be in love with two children, and as adults try to solve their own messes Both children try to stay together.

The aesthetic that presents this film is totally different from the big productions that are used, tells a love story, but completely different from the typical romantic comedy. Anderson tells the story differently, giving a touch of humor and making some unlikely circumstances that are not fully appear to us as strange.

The characters are designed to the millimeter and very careful, are not typical characters that are used; children are exploring the loss of innocence, but everything is in turn treated in a very naive way it may seem simple, it involves a great narrative work.

Regarding the script, their clarity not only puts us squarely, but makes us accomplices of the love story between two young men. Achieves a magical realism in some moments, as I said before, there are certain things that only make sense for how the film is treated. Colors, being all warm fit perfectly with each other's worth noting that the predominant is yellow. This only serves to accentuate the idea that the story takes place during summer days and also gives a nostalgic touch to the story. But this does not make sense if the music did not accompany him, and the soundtrack is made to detail and play as a character in the film.

Moreover, we note that the film has a great work prior to recording, it's all completely graph, to the smallest detail. The director was very clear what he wanted and how he wanted it. It is a very striking visually speaking film, there are times when words are unnecessary and Anderson knows, and knows how to achieve a perfect picture.

As for music, it is very important because further increases this sense of perfection in all scenarios. The tempo of the same depending on the natural obstacles they encounter changes. At the beginning of the movie starts playing a melody, accompanied by an explanation of a child saying the instruments are added at all times. When we got to the end credits, the main melody is presented by the child the same way as the baseline. With this, the director manages to keep ahead of the screen until you have finished the final credits.

The main theme is the first love and sexual arousal thus showing that both children, which is perfectly portrayed in the scene where Sam and Suzy are dancing on the beach. Their love for each other triumphs, because it is the foundation of respect and understanding. He is the one who understands it, and therefore gets closer.

From my point of view we are faced with a film that has a great job both pre-production and post-production. Help rather than the director has a very distinct style and most of his films can relate in some way or another.

The way the director wanted to address this issue, first love, not from the point of view that we used to see in other films, but getting fully into the skin of two children who really have serious problems, none of they are happy in their respective home, both are somewhat tormented and this makes their way of dealing with things is totally different from what we are accustomed.

Regarding the narrative, the author explains a children's story in which two children are chased by the wolf and the hunter, although no two characters are exactly those who persecute them, but a group of children and adults. They chase in principle because they are away from home, and the camp of the Boy Scouts. Both young men were immersed in what will be the adventure of their lives, and they do not care what the rest say, what they are not aware of is that this history not only affects them, and that this also changes life adults.

Narrative is a very powerful film, since it seems a simple story, but that does not leave you indifferent, this is the great expressive force of the images, especially the force transmitted colors, and sort by the type of dialogue presents, is fairly straightforward and not overly long conversations, this gives a lot of rhythm to the film, and is not heavy at any time.

On the other hand, the final taste that leaves you the film is very good, feel like you've seen a deceptively simple film, but showing through something as innocent as children we some of the more complicated aspects of everyday a grown up. In fact, it could have sought this through the adult characters in the movie, but had not gotten tenderness aroused by children, nor the innocence at times.

Mónica Segarra

Stockholm

Stockholm empieza siendo la típica película romántica sobre un chico que conoce a una chica. Él, (Javier Pereira) se enamora perdídamente de ella, (Aura Garrido) y ella se hace la fuerte, así que él tiene que ganarse su amor y su confianza. A partir de aquí podríamos imaginar cómo sigue la película, pero no acertaríamos, ya que cuando superamos la primera parte del rodaje, la trama da un giro inesperado.  

Según su director, Rodrigo Sorogoyen, “es una película de dos mitades, de dos géneros” (Stockholm 2); pasa de la ñoñería de una película romántica a la frialdad del “thriller” psicológico. Primero es amable, liviana y simpática; la ciudad y su iluminación tienen un papel muy importante, ya que se convierten en un personaje más, arropando a la pareja en el camino de vuelta a casa. La segunda parte da un giro radical; ahora es ella la que maneja la situación y se siente segura de sí misma, al contrario que durante toda la noche, cuando él llevaba la voz cantante. Él está aturdido ante el comportamiento que tiene ella y reacciona de un modo algo violento en ciertos momentos, aunque no es más que una muestra de la desesperación que está sintiendo en esos momentos; para nada tenía planeado lo que estaba pasando y eso no le gustaba. Su actitud es totalmente comprensible.  

Respecto a la iluminación, mientras vuelven a casa todas las escenas son nocturnas y por eso está todo mucho más oscuro. En cambio, el estado de ánimo de los personajes es mucho más alegre, por así decirlo. Él se ha trazado un reto y está dispuesto a conseguirlo a toda costa. Por su parte, ella muestra una gran coraza y se hace la fuerte pero al mismo tiempo está encantada de que él le preste atención y esté tan pendiente de ella. A la mañana siguiente todo es mucho más claro; la luz del sol, las paredes blancas… aparentemente el ambiente es mucho más sano que el de la noche anterior. Sin embargo, ella está ahora mentalmente más inestable y, a medida que avanza la trama, esto va escalando. Él no se queda atrás ya que como he dicho antes, no se esperaba para nada la situación en la que se encuentra. 

Aunque solo contemos con dos personajes principales, en ningún momento se nos hace una película pesada o monótona. Con ellos dos tenemos suficiente y más personajes sobrarían. Ambos actores le dan dinamismo a la historia y hacen que vaya fluyendo de forma natural.  

Creo que con esta película el público joven se puede sentir altamente identificado, ya que todos conocemos al típico ligón que se lleva a una chica cada fin de semana. También sabemos de la chica que siempre está sufriendo por uno u otro chico. Él tiene claro desde un primer momento lo que quiere de ella y está dispuesto a utilizar todas las tácticas que sean necesarias para lograr sus propósitos. En contraste, ella está   consciente de que él es un mentiroso y un experto ligón, aunque en el fondo quiere creer que todo lo que él le dice es verdad y que ella sí es especial para él. Una vez confirmadas sus sospechas es cuando ella cambia de actitud, aunque con la que realmente se enfada es con ella misma por haber caído en el juego.  

Stockholm costó 60.000€, 13.000 de los cuales se consiguieron a través de la plataforma de crowdfunding Verkami. También destacaremos que todo el equipo capitalizó sus sueldos para que esta película pudiese llegar al público. Es un rodaje de bajo presupuesto, con pocos personajes y pocas localidades, además de un reducido equipo técnico, pero no tiene nada que envidiar a las grandes producciones. 

 

Esta película es una que nos hace pensar. Recién acabas de verla y te quedas con ella durante un tiempo en la cabeza. Nos muestra el modo en el que se enamora nuestra generación, cómo nos conocemos y cómo nos relacionamos. En la sociedad actual, parece que sólo nos importa el ahora y lo que nosotros queremos, sin importarnos cómo conseguirlo o cómo esto puede llegar a afectar a los demás, sin pensar en las consecuencias que puedan tener nuestros actos. Si quiero algo y tú me lo puedes dar voy a ir a por ello, cueste lo que cueste y pase lo que pase. Esto está muy bien en cierta manera, pero no tenemos que olvidar que lo que hacemos normalmente puede afectar a otras personas y tendremos que asumir los efectos que puedan provocar en el resto.

Mónica Segarra

Stockholm

Stockholm begins as the typical romantic movie of a boy who meets a girl. He, (Javier Pereira) is madly in love with her, (Aura Garrido) and she plays the tough lady, so he has to earn his love and trust. From here, we could imagine how the film would continue, but we wouldn’t guess right, because once we overcome the first part of the movie, the action makes an unexpected turn.

According to its director, Rodrigo Sorogoyen, "is a film of two halves, two genres" (Stockholm 2); it goes from the fussiness of a romantic movie to the chill of the psychological thriller. First it is friendly, soft, and charming; the city and its lighting play an important role, since it becomes a character, embracing the couple on their way home. The second part brings a radical change; now is she the one who handles the situation and feels confident, unlike all night, when he was the one who ruled the roost. He is stunned now by her behavior and reacts in a rather violently way at times, but it is not more than a sign of despair that he feels at the time; what was happening wasn’t planned at all and he didn’t like that. His attitude is totally understandable.

Regarding the illumination, while returning home all scenes are nocturnal and that’s why they are much darker. Instead, the mood of the characters is much brighter, so to speak. He has set a challenge for himself and is ready to make it happen,, no matter what. On the other hand, she shows a large shield and becomes tough, but at the same time is delighted with his attention to her, as well as his awareness of her. The next morning everything is much clearer; the sunlight, the white walls ... apparently, the atmosphere is much healthier than the night before. However, she appears now more mentally unstable and, as the plot continues, her situation escalates.. He is not far behind because, as I said before, he didn’t expect what was happening at all.

Although we just count with two main characters, this is not a heavy or dull film at all. They both are enough and more would be an unnecessary excess. Both actors give dynamism to the story and allow it to flow naturally.

I believe that young audiences can feel highly identified with this film, as we all can recognize the typical flirt, who goes out with a different girl every weekend. We also know about the girl, who is always suffering with one or every guy.. From the outset, he is clear on what he wants from her and willing to use every technique to suit his purposes. In contrast, she is aware that he is a liar and an expert flirt, even though deep inside she wants to believe that everything he says is true and that she is special to him. After confirming her doubts, she changes her attitude, although she is really angry with herself as she fell into his game. (Stockholm 3)

Stockholm cost € 60,000, of which 13,000 were achieved through crowdfunding with platform Verkami. We would also highlight that the whole team capitalized on their salaries, so it could reach the public. It is a low-budget film, with few characters, few locations, and a reduced crew, but it has nothing to envy the big productions.

This film makes us think thoroughly. Just by watching it, the move stays in our minds for a while. It shows us the way in which our generation falls in love, how we meet, as well as how we establish a romantic relationship between each other. In today's society, it seems that we only care about the present and what we want, without thinking in the consequences that our actions might bring or how it may affect others. If I want something and you can give it to me, regardless of its cost or what happens. This is fine in sort of a way, but we must not forget that what we do normally may affect other people and that we will have to assume the effects it may have on the rest. 

Reviewer: María Del Carmen Muñiz