Fear Street: la trilogía de terror que está triunfando este verano

El pasado 4 de Julio,Netlfix lanzó la primera película de la trilogía basada en las novelas homónimas de R.L Stine, Fear Street. La trilogía cuenta con tres películas que narran la trama de Shadyside, un pueblo maldito que tiene una larga historia de asesinos en serie y tragedias atribuidas a un misterio suceso en el pasado. Con esta saga, Netflix busca atraer a todos los amantes del genero de terror y del autor, creando una enrevesada historia a través de 300 años sobre este pueblo. 

Para empezar a engancharnos a esta trama, su primera película titulada Fear Street:1994 nos transporta al momento presente de la historia, y nos presenta a las que serán los protagonistas durante toda la saga, Sam y Deena dos adolescentes que reprensentan un poco a los Romeo y Julieta de la década de los 90, con una historia de amor prohibido, no solo por ser gays sino por vivir en dos pueblos enfrentados desde hace siglos.Sin embargo, tras verse envueltas en una serie de sangrientos acontecimientos, vuelven a encontrarse para luchar contra la extraña maldición que acecha al pueblo. 

En la segunda película, nos trasladamos a un campamento de verano en 1978, donde se nos presentan a nuevos personajes decisivos para comprender el pasado del pueblo, al mismo tiempo que se nos muestra una de sus mas grandes masacres. Al igual que la primera película nos trasporta a un ambiente noventero con aires de películas slasher de ese momento como Scream, esta segunda entrega nos recuerda a películas similares como Viernes 13, ambas con referencias muy claras que resultan en easter eggs para los amantes del terror. 

No es hasta la tercera película, Fear Street:1966 donde conocemos el origen y la explicación de todo lo que esta pasando en las décadas siguientes. En esta entrega se da un vuelco con respecto a las anteriores y la cinta se convierte en un verdadero relato de época, que esta repleto de misticismo, brujería y, como el título insinúa, sacrificios al demonio. Quizás, son estos saltos, no solo temporales y argumentales, sino también genéricos los que hacen de esta trilogía una obra tan rica y adictiva. En cada película exploran diferentes inter-géneros del genero del terror, sin dejar de lado la esencia de ninguna de las películas y su temática troncal.

 Una vez aclarado el argumento de cada una de las películas de la trilogía, es importante hablar de algunas de las razones por las cual ha funcionado tan bien, hasta el punto de posicionarse en los primeros puestos de reproducciones de Netflix.

 El primer punto por comentar es su clasificación: las películas han recibido una clasificación R, lo que significa que no son aptas para menores de 17 años. Esto, supone un cambio con respecto a las novelas de R.L Stine que iban dirigidas a un público adolescente y trataban temas mucho mas juveniles como se puede observar en otras películas que se han hecho del mismo autor como la saga Pesadillas. 

Este reajuste de clasificación ha sido clave, ya que ha aportado al director, mucha mas libertad creativa pudiendo ahondar en narrativas mas oscuras y aterradoras que las de las novelas como el gore, y que desde luego ha resultado muy a su favor. 

Otro punto importante ha sido la novedad del formato, una trilogía cinematográfica que se ha estrenado de manera seguida y semanalmente del mismo modo que lo haría un serial. Así como la fragmentación temporal, utilizando épocas muy populares en temática del terror y uniéndolas en una gran historia.

Finalmente, otro tema que también ha influido bastante en la riqueza y popularidad de la trilogía ha sido el hecho de incluir como pareja principal a dos chicas, dos “final girls” que, además están en una relación amorosa. Esto, no solo ha supuesto una importante trasformación para un genero tan estereotipado como el terror, sino que también ha servido para dar visibilidad y representación al colectivo. 

Para concluir, hemos de indicar que esta saga, no es perfecta ni mucho menos. Tiene muchos puntos, respecto al guion y a la trama que hay que coger con pinzas, al igual que multitud de tiempos muertos y fallos. Sin embargo, resulta un entretenimiento muy adictivo, con momentos muy interesantes y trasformadores dentro del genero, y que de seguro van a divertir mucho a los amantes del terror.

Laura Sánchez

Fear Street: the horror trilogy that is making it big this summer 

On July 4, Netflix released the first film in the trilogy based on same name novels by R.L Stine, Fear Street. The trilogy has three films that narrate the plot of Shadyside, a cursed town that has a long history of serial killers and tragedies attributed to a mystery happening in the past. With this saga, Netflix seeks to attract all lovers of the horror genre and the author, creating a convoluted history through 300 years about this town. 

To begin to get hooked on this plot, the first film entitled Fear Street: 1994 transports us to the present moment of this story and introduces us to those who will be the protagonists throughout the saga, Sam and Deena, two teenagers who represent a bit of the Romeo and Juliet from the 90s, with a history of forbidden love, not only because they are gay but also because they live in two towns which have faced each other for centuries; however, after being involved in a series of bloody events, they meet again to fight against the strange curse that haunts the town. 

In the second film, we move to a summer camp in 1978, where we are introduced to new decisive characters in order to understand the past of the town, at the same time that we are shown one of its greatest massacres. Just as the first film transports us to a 90s environment with airs of slasher films of that moment like Scream, this second installment reminds us of similar films like Friday the 13th, both with very clear references that result in easter eggs for horror lovers.

It is not until the third film, Fear Street: 1966 where we know the origin and the explanation of everything that is happening in the following decades. In this installment, there is a twist concerning the previous ones and the film becomes a true period piece, which is full of mysticism, witchcraft and, as the title implies, sacrifices to the devil. Perhaps, it is these jumps, not only temporary and plot-wise but also generic, that make this trilogy such a rich and addictive piece of work. In each film, they explore different inter-genres of the horror genre, without neglecting the essence of any of the movies and their core themes. 

Once the plot of each of the films in the trilogy has been clarified, it is important to talk about some of the reasons why it has worked so well, to the point of positioning itself in the first positions of Netflix reproductions. 

The first point to comment on is their rating: the films have received an R rating, which means that they are not suitable for children under 17 years of age. This represents a change concerning the novels by R.L Stine that were aimed at an adolescent audience and dealt with much more young adult issues as can be seen in other films that have been made by the same author such as the Goosebumps saga. 

This readjustment of classification has been key, since it has given the director much more creative freedom, being able to delve into darker and more terrifying narratives such as gore, and that has certainly been in his favor. 

Another important point has been the novelty of the format, a film trilogy that has been released regularly and weekly in the same way as a serial would. As well as temporal fragmentation, using very popular times in terms of terror and uniting them in a great story. 

Finally, another issue that has also greatly influenced the richness and popularity of the trilogy has been the fact of including two girls as the main couple, two “final girls” who are also in a love relationship. This has not only been an important transformation for a genre as stereotyped as terror, but it has also served to give visibility and representation to the community. 

To conclude, we must indicate that this saga is not perfect by any means. It has many points, regarding the script and the plot aren’t perfect as well as a multitude of dead times and failures. However, it is very addictive entertainment, with very interesting and transformative moments within the genre, and that will surely amuse horror lovers.

Laura Sánchez

Mejores musicales de Broadway adaptados a la gran pantalla

Los orígenes del genero musical se asocian a la llegada del cine sonoro hacia finales de los años 20, con el antecedente de Broadway. Aunque su periodo de madurez no comienza hacia finales de los años 30, producto de su fusión con otros géneros, concretamente, la comedia.

Desde este momento, la popularidad de este genero únicamente fue en aumento. Con el precedente de su obra mas emblemática El Mago de Oz que marco su entrada definitiva en Hollywood, el genero musical se ha ido reinventado y acoplando a los diferentes periodos históricos con una facilidad sorprendente, incorporando distintos géneros como el rock, el pop y a sus estrellas según iban alcanzando la fama.

Sin embargo, como hemos comentado al principio, el antecedente de muchas de estas obras era Broadway que servía como el escenario perfecto para representar estas historias musicales que después se convertirían en producciones de Hollywood.

Posiblemente el caso mas emblemático fue el de West Side Story; el Romeo y Julieta de Broadway que cautivo a miles de personas desde su estreno en los teatros neoyorkinos con la historia de amor prohibido entre María y Tony, alcanzo la gran pantalla solo cuatro años después de su estreno teatral.  Dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins la película supo captar perfectamente la esencia y espectacularidad de la obra teatral, razón por la que obtuvo 10 premios Oscar ese mismo año. Además cabe mencionar que este año se estrena una nueva versión de este clásico de Broadway dirigido por StevenSpielberg que esperamos ayude a revivir esta historia en el presente.

A pesar de que no tuvo su origen en Broadway sino en los teatros de Chicago, el siguiente musical por excelencia es Grease. Aunque muchos de nosotros no nos podemos imaginar Grease sin Olivia Newton-John y John Travolta en sus icónicos papeles de Sandy y Danny, la realidad es que no fueron los primeros en entrar en la piel de estos amantes. La obra se estrenó en el Kingston Mines Theatre de Chicago, situado en un antiguo garaje de tranvías en 1971, un año después se traslado a Nueva York donde se represento hasta los años 80 y se convirtió en unas de las obras mas exitosas de Broadway hasta su llegada a las salas de cine donde, como todos sabemos disfrutó de un éxito sin precedentes que se mantiene hasta nuestros días.

Tras su estreno en el Royal Court Theatre de Londres, The Rocky Horror Show llegó a Broadway preparado para romper records y estereotipos. Es por eso por lo que este musical de Richard O´Brien hizo el salto de los escenarios a la gran pantalla únicamente en unos meses dando lugar a una película provocadora y rompedora, que se convirtió en una obra de culto.

A estos famosos musicales les siguieron muchos otros que también han hecho historia tanto en los escenarios como en las pantallas de cine como Chicago, Los Miserables, Cabaret… Sin embargo, y dejando atrás los clásicos también ha habido varias adaptaciones cinematográficas de obras mas recientes.

Un ejemplo es el musical de  The Prom que tras su estreno en Georgia y posteriomente en Broadway consiguió hacer triunfar una historia con una premisa mucho mas actual y reivindicadora que consiguió captar la atención del productor Ryan Murphy para convertirla en una película de Netflix con un reparto envidiable con Meryl Streep o Nicole Kidman en sus filas.

Otro ejemplo mas reciente es el musical de Dear Evan Hansen que al igual que The Prom trata temas mucho mas actualizados que buscan despertar la conciencia del publico. El musical protagonizado por el actor Ben Platt ha filmado ya su adaptación cinematográfica y tiene su estreno previsto para septiembre de este año.

Como conclusión, podemos observar que, durante todos estos años desde sus principios con el cine sonoro, el genero musical ha servido y sigue sirviendo como herramienta para experimentar, reclamar e innovar creando piezas que han sido únicas y han supuesto un antes y un después no solo dentro del genero sino del cine y la historia.

Laura Sánchez

Best Broadway musicals adapted for the big screen

The origins of the musical genre are associated with the arrival of sound cinema towards the end of the 1920s, with the antecedent of Broadway. Although his period of maturity does begin towards the end of the 30s, as a result of his fusion with other genres, specifically, comedy.

From this moment on, the popularity of this genre only increased. With the precedent of his most emblematic work The Wizard of Oz that marked his definitive entry into Hollywood, the musical genre has been reinvented and coupled with different historical periods with surprising ease, incorporating different genres such as rock, pop, and its stars as they rose to fame.

However, as we have commented at the beginning, the antecedent of many of these works was Broadway that served as the perfect setting to represent these musical stories that would later become Hollywood productions.

Possibly the most emblematic case was that of West Side Story. Broadway's Romeo and Juliet that captivated thousands of people since its premiere in New York theaters with the story of forbidden love between Maria and Tony reached the big screen only four years after its theatrical release. Directed by Robert Wise and Jerome Robbins, the film perfectly captured the essence and spectacular nature of the theatrical work, which is why it won 10 Oscars that same year. It is also worth mentioning that this year a new version of this Broadway classic will be released by Steven Spielberg that we hope will help bring this story to life in the present.

Although it did not originate from Broadway but Chicago theaters, the next quintessential musical is Grease. While many of us can't imagine Grease without Olivia Newton-John and John Travolta in their iconic roles as Sandy and Danny, the reality is that they weren't the first to step into the shoes of these lovers. The play premiered at the Kingston Mines Theater in Chicago, located in an old tram garage in 1971, a year later it moved to New York where it was performed until the 1980s and became one of the most successful Broadway plays until he arrived at the movie theaters where, as we all know, he enjoyed the unprecedented success that continues to this day.

Following its premiere at London's Royal Court Theater, The Rocky Horror Show hit Broadway poised to break records and stereotypes. That is why this musical by Richard O'Brien made the leap from the stage to the big screen in only a few months, giving rise to a provocative and groundbreaking film, which became a cult work.

These famous musicals were followed by many others that have also made history both on stage and on movie screens such as Chicago, Les Miserables, Cabaret ... However, leaving the classics behind there have also been several film adaptations of more recent works:

An example is The Prom musical that after its premiere in Georgia and later on Broadway managed to make a story with a much more current and vindicating premise succeed that managed to capture the attention of producer Ryan Murphy to turn it into a Netflix movie with an enviable cast with Meryl Streep or Nicole Kidman in their ranks.

Another more recent example is the Dear Evan Hansen musical, which, like The Prom, deals with much more up-to-date topics that seek to awaken the public's conscience. The musical starring actor Ben Platt has already filmed his film adaptation and is scheduled to premiere in September this year.

In conclusion, we can see that during all these years since its beginnings with the sound cinema, the musical genre has served and continues to serve as a tool to experiment, claim and innovate, creating pieces that have been unique and have represented a before and after not only within the genre but of cinema and history.

Laura Sánchez

DUNE

Tras numerosos retrasos debidos a la pandemia del Coronavirus, el 17 de septiembre llegará por fin a nuestras pantallas el reboot del clásico de ciencia ficción, Dune.

Estamos ante uno de los estrenos más esperados de lo que resta de año, no solo por su historia, si no por el equipo que hay tras la película. Dirigida por Dennis Villeneuve, con un reparto de lujo que cuenta con nombres como Jason Momoa, Oscar Isaac y Javier Bardém y con uno de los mejores compositores de la historia de Hollywood; Hans Zimmer, no queda más que esperar la película con las expectativas por todo lo alto.

¿Qué es Dune?

Dune es una obra tan amplia y compleja que no podemos hablar de la película sin conocer un poco sus orígenes.

Frank Herbert publicó en 1965 una novela que llegaría a ser considerada como una obra maestra dentro del género de la ciencia ficción. Cosechó numerosos galardones, Premio Hugo y Premio Nébula entre otros y obtuvo un éxito tal que, a día de hoy, sigue siendo la novela de ciencia ficción más vendida de la historia.

Así pues, no es de extrañar que acabara llegando a la gran pantalla. En 1984 pudimos ver una primera adaptación de la mano de David Lynch y Kyle MacLachlan (dupla que repitió unos años más tarde en la imprescindible Twin Peaks) que, aunque resultó un fracaso en taquilla, ha terminado convirtiéndose en película de culto.

El fiasco ante el público se debió en gran medida al tijeretazo de la productora en el metraje. Inicialmente, la cinta tenía una duración de 8 horas, algo inviable para su estreno en cines y, por ello, se decidió recortar primero a 5 horas para, finalmente, dejarla en apenas 137 minutos. Obviamente, tal mutilación acabó por afectar a la narrativa, dejando una trama llena de agujeros y algo confusa en su resultado final.

Esa duración inicial de 8 horas, nos da una idea de la complejidad de adaptar la obra de Herbert.

 

¿De qué va?

La historia tiene lugar miles de años en el futuro, en un escenario donde la humanidad trata de sobrevivir expandiéndose por todos los rincones del universo. Las grandes distancias entre la capital del Imperio y los sistemas colonizados, provocan un aislamiento paulatino, propiciando que en cada planeta surjan aristocracias y se cree una especie de feudalismo galáctico.

Nos encontramos pues, en un Imperio al más puro estilo de Juego de Tronos donde el Emperador trata de mantener su poder en un reino lleno de intrigas políticas, alianzas y conspiraciones.

Al contrario de lo que podemos ver en las habituales Space Opera, veremos una sociedad con una tecnología escasa. No veremos inteligencias artificiales ni máquinas superavanzadas. En su lugar, tendremos a los Mentats, seres humanos entrenados para ser capaces de procesar información como lo haría un ordenador de última generación.

Pero los grandes protagonistas de la historia son Arrakis y la Especia.

Arrakis es el planeta en el que se desarrolla la mayor parte de la historia. Un planeta desértico, inhóspito y habitado por los gigantescos gusanos de arena. Es un lugar aislado del resto del Imperio y peligroso. Sin embargo, posee el bien más preciado para la humanidad, la Esencia. Esta esencia es una sustancia adictiva, considerada una droga, que aporta la capacidad de ver el futuro, aumentar la esperanza de vida y, en grandes cantidades, permite el viaje espacial y la posibilidad de controlar el tiempo.

“Quién controla la Esencia, controla el universo” 

 

¿Cómo será la adaptación?

La historia es de tal envergadura que, el propio Dennis Villeneuve obligó a Warner Bros a dividir la trama en dos películas.

La primera parte, como decimos, llegará a nuestros cines el 17 de septiembre y cubrirá la mitad de la novela original. La segunda mitad, esperamos que llegue justo un año después.

Pero esto es solo el principio de lo que preparan Villeneuve y compañía.

Tras la adaptación en la gran pantalla, Warner ofrecerá en exclusiva en la plataforma HBO Max la serie “Dune: The Sisterhood”

Esta serie nos introducirá en el mundo de Dune a través de los ojos de una misteriosa orden compuesta únicamente por mujeres conocidas como Las Bene Gesserit, las cuales muestran unas asombrosas habilidades gracias al control sobre su cuerpo y mente. Esto las lleva a mover los hilos de la política feudal y las intrigas del Imperio. Dichas habilidades terminarán conduciéndolas al planeta Arrakis.

Tanto la serie como las películas forman parte de una única historia. Ambas están conectadas e, incluso, son coetáneas en el tiempo. Es de esperar, además, que el tono no varíe mucho ya que el propio Villeneuve forma parte del proyecto, encargándose del episodio piloto. 

Todo hace pensar que esta vez vamos a tener una buena adaptación, una película que haga justicia a la obra de Frank Herbert. Y, para aquellos que no conocen el libro ni la película original, estarán ante una más que interesante cinta de ciencia ficción.

Roberto García

El doblaje en España y sus polémicas

A diferencia de otros países que han apostado por la versión original, en España, el doblaje de películas y series en idioma extranjero es la práctica más común, lo cual ha generado una gran comunidad de dobladores en territorio nacional que nos han facilitado durante años ver y comprender grandes éxitos internacionales. 

Estos últimos días, se ha debatido mucho sobre el mundo del doblaje a raíz de una polémica formada en las redes sociales cuando la cantante conocida como Lola Índigo anunció que pondría la voz al famoso personaje de animación Lola Bunny en la versión española de la película Space Jam. 

Esta situación generó bastante controversia al responder, a este anuncio, la dobladora profesional Vera Bosch, quien además ya había doblado a ese personaje en el trailer de la película y, que acusó a la cantante de quitar el trabajo a dobladores profesionales. 

La respuesta de la joven dobladora fue apoyada por toda la comunidad de doblaje quienes se llevan quejando muchos años de los bajos sueldos, precariedad y poca preparación que va hacia el proceso de doblaje cinematográfico. 

Si a esto le suman el hecho de que actores, cantantes y figuras del entretenimiento de forma continuada consiguen muchos de estos trabajos solo por el hecho de ser famosos a pesar de no contar con ninguna preparación previa y obteniendo sueldos muy por encima de los de un doblador profesional medio, se podría afirmar que la comunidad de doblaje tiene razones para quejarse. 

Esto que ha pasado con la cantante de la pasada edición de OT2017, ha ocurrido múltiples veces en España. Celebridades como Dani Martin, Melendi, Mario Vaquerizo o ElRubius ya vivieron en su momento criticas por hacer esto mismo, doblar una serie de televisión o una película sin ser profesionales ni contar con ningún tipo de preparación. Sin embargo, cuanto mas ocurre, las quejas y las polémicas se endurecen, entendiblemente, ya que, si una persona cualquiera puede hacer el trabajo de un profesional, de alguna forma se esta desvirtuando el trabajo, estudio y esfuerzos de la persona que se ha preparado. 

Bastante comentado también fue el doblaje de la serie de animación de Netflix Las memorias de Idhun, no solo por el hecho de utilizar a un grupo de actores de los cuales muchos no contaban con un tipo de experiencia previa en el doblaje, sino porque abrió una nueva polémica en la que mucha gente defendía a los “dobladores” veteranos ya que aportaban mas naturalidad a las voces de los personajes que en ocasiones resultaban sobreactuadas por los profesionales. Además, argumentaban que al hacer esto, se ridiculizaba a los actores que ponen su voz en la versión original.

Sin embargo, esto ya pasa a ser un debate que enfrenta a la versión original y la versión doblada. No cabe duda de que, si se quiere ver una cinta en su versión mas realista y pura, la versión original siempre va a estar disponible para los aficionados mas meticulosos, pero no por esto hay que quitar importancia al enorme trabajo y talento que hay detrás del doblaje en español, el cual, como debe resultar obvio a cualquier persona con criterio objetivo, va a contar siempre o casi siempre con mejores resultados si esta conducido por un profesional.

Laura Sánchez

Dubbing in Spain and its controversies 

Unlike other countries that have opted for the original version, in Spain, dubbing movies and series in a foreign language is the most common practice. This has generated a large community of dubbers in national territory that has made it easier for us to watch and understand great international successes. 

In recent days, there has been much debate about the world of dubbing as a result of a controversy formed on social media when the singer known as Lola Indigo announced that she would voice the famous animated character Lola Bunny in the Spanish version of the movie Space Jam. 

This situation generated quite a lot of controversy after the response to this announcement by the professional voice actor Vera Bosch, who also had already dubbed that character in the movie trailer and who accused the singer of taking professional voice actors out of work. 

The young dubber response was supported by the entire dubbing community who have been complaining for many years about the low salaries, precariousness, and little preparation that goes towards the film dubbing process. 

If you add to this the fact that actors, singers, and entertainment figures continuously get many of these jobs just for the fact of being famous despite not having any previous preparation and obtaining salaries well above those of an average professional voice actor, it could be argued that the dubbing community has reason to complain. 

This situation with the singer of the last edition of OT2017 has happened multiple times in Spain. Celebrities such as Dani Martin, Melendi, Mario Vaquerizo, or ElRubius have already experienced criticism for doing the same thing, dubbing a television series or a movie without being professionals, or having any kind of preparation. However, the more that happens, the more complaints and controversies persist, understandably, since, if any person can do the work of a professional, it detracts in some way the work, study, and efforts of the person who has been prepared. 

Much commented was also the dubbing of the Netflix animated series The Memories of Idhun, not only since it used a group of actors of which many did not have any previous experience in dubbing, but because it opened a new controversy in which many people defended the veteran "dubbers" since they brought more naturalness to the voices of the characters that were sometimes over-acted by the professionals. Furthermore, they argued that by doing this, the actors who put their voices in the original version were ridiculed. 

However, this already happens to be a debate between the original version and the dubbed version. There is no doubt that, if you want to see a tape in its most realistic and pure version, the original version will always be available to the most meticulous fans, but this does not mean that the enormous work and talent behind it should be underestimated. dubbing in Spanish, which, as it should be obvious to anyone with objective criteria, will always or almost always have better results if it is conducted by a professional.

Laura Sánchez

¿Es la serie de Movistar + Paraíso el nuevo Stranger Things?

  

Desde las primeras imágenes promocionales, pasando por los adelantos y trailers que se han estrenado de la serie de Fernando González Molina se ha vendido la idea de que Paraíso iba a ser la versión española de la exitosa serie de Netflix Stranger Things. 

Ahora que se ha estrenado la temporada entera, la cual ha culminado con su séptimo capitulo estrenado el pasado viernes en Movistar +, podemos realmente hablar de si esta comparativa es certera o no. 

Hay que empezar diciendo que no se puede negar que, de primeras, ambas series cuentan con muchos aspectos en común. 

En primer lugar, la época en la que están ambientadas. Aunque no es exactamente la misma ya que la serie americana transcurre en la década de los 80 y la española en los 90, permite que ambas series compartan temáticas y referentes culturales muy parecidos, de ahí que elementos como el vestuario sean similares. 

Del mismo modo que Stranger Things se retroalimenta de películas como los Goonies o Cazafantasmas, Paraíso está muy influenciada por Las chicas de Alcásser y la música de Mecano. Esto es, quizás, lo que más se ha comentado, la serie de González Molina, aunque un poco americanizada, ha sabido mostrar una versión española del estereotipado drama sobrenatural: los veranos en Valencia, las pandillas de amigos y la nostalgia noventera juegan un papel esencial en que esta serie que ya ha sido renovada por una segunda temporada funcione en territorio nacional. 

Por otro lado, tenemos el argumento, que también es bastante parecido en ambos casos. Las dos series tienen como desencadenante una desaparición, están protagonizadas por una pandilla de chicos frikis e incomprendidos y en ambas ficciones los enemigos son de carácter fantástico. En un principio estos puntos en común parecen bastante arrolladores, sin embargo, también es cierto que son muchas las historias que, del mismo modo tienen una trama bastante parecida como Los Goonies o Stand by me. 

Además de las similitudes en el argumento, también hay muchos paralelismos temáticos como “el otro lado” que simboliza el mundo de los “no muertos” en Paraíso y el mundo “del revés” en Stranger Things ; “el laboratorio” siendo la guarida en la presa de agua donde retienen a las chicas desparecidas en Almanzora y el Laboratorio Nacional de Hawkings donde crecio Eleven, la protagonista de la serie de los hermanos Duffer ; o la feria que se muestra durante la tercera temporada de Stranger Things y en el cuarto episorio de Paraiso titulado “La feria”. 

A su vez hay muchos aspectos estéticos y de la puesta en escena que se parecen bastante como la iluminación, la utilización de colores retro, la profundidad de campo o el contraste tonal que si bien son similares también hay que señalar que también son los típicos de una ficción fantástica con tonos oscuros. 

La principal diferencia que podríamos señalar y que mas sorprendió al publico fue el hecho de que los protagonistas de la serie de movistar murieran al final del primer capitulo. Este fue un giro que nadie venia venir y que permitió darle a la trama una perspectiva distinta de lo que estamos acostumbrados a ver, y que de seguro no esperábamos de esta serie en ninguno de los adelantos y promociones. 

Por tanto y siguiendo la pregunta de nuestro titular, ¿es la serie de Movistar + Paraíso el nuevo StrangerThings la respuesta sería si y no. Aunque es cierto que ambas series cuentan muchas similitudes e inevitablemente pensemos en Stranger Things cuando veamos Paraíso, Fernandez Molina ha sabido crear un universo fresco y entretenido y bastante brillante técnicamente que tiene como mayor punto a favor la nostalgia y funciona muy bien por si mismo sin necesidad de comparaciones. 

Laura Sánchez

Is the Movistar + series  Paraiso the new Stranger Things?  

From the first promotional images, through the teasers and trailers that have been released of the series by Fernando González Molina, the idea that Paraiso was going to be the Spanish version of the successful Netflix series StrangerThings has been sold. 

Now that the entire season has been released and culminated with its seventh episode  which premiered last Friday on Movistar +, we can talk about whether this comparison is accurate or not. 

We must start by saying that it cannot be denied that, from a standing point of view both, series have many aspects in common. 

In the first place, the time in which they are set.  Although it is not the same since the American series takes place in the 80s and the Spanish series in the 90s, it allows both series to share very similar themes and cultural references, hence elements such as the wardrobe are similar. 

In the same way that Stranger Things feeds from films like The Goonies or Ghostbusters, Paraíso is highly influenced by The Girls of Alcásser and the music of Mecano. This is, perhaps, what has been commented on the most, the González Molina series, although a bit Americanized, has managed to show a Spanish version of the stereotypical supernatural drama: summers in Valencia, gangs of friends, and 90s nostalgia play a big role in this tv show, which has already been renewed for a second season. 

On the other hand, we can comment on the argument of the show, which is also quite similar in both cases. The two series are triggered by a disappearance, they are led by a gang of geeky and misunderstood boys and in both fictions, the enemies are supernatural. At first, these points in common seem quite overwhelming, however, it is also true that there are many stories that, in the same way, have a quite similar plot as The Goonies or Stand by me.

 In addition to the similarities in the plot, there are also many thematic parallels such as "the other side" symbolizing the world of the "undead" in Paradise and the world "upside-down" in Stranger Things; "The laboratory" being the lair in the water dam where they keep the disappeared girls in Almanzora and the Hawkings National Laboratory where Eleven, the protagonist of the Duffer brothers' series, grew up; or the fair that is shown during the third season of Stranger Things and in the fourth episode of Paraiso entitled "The fair."

In turn, there are many aesthetic and staging aspects that are quite similar, such as lighting, the use of retro colors, depth of field, or tonal contrast, which although similar, should also be noted that is also typical of a fantastic fiction with dark tones. 

The main difference that we could point out and that surprised the public the most was the fact that the protagonists of the Movistar series died at the end of the first chapter. This was a twist that nobody had come to see and that allowed them to give the plot a different perspective than what we are used to seeing, and that we surely did not expect from this series in any of the previews and promotions. 

Therefore, and following our headline's question, is the Movistar + "Paraiso" series the new "Stranger Things" the answer would be yes and no. Although it is true that both series have many similarities and inevitably, we think of Stranger Things when we see Paraiso, Fernandez Molina has managed to create fresh entertaining, and technically outstanding that has nostalgia as its main point in favor and works on its own very well without the need of comparisons.

Laura Sánchez