EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

“El hombre de las mil caras” es la nueva película de Alberto Rodríguez, creador del guión junto con Rafael Cobos. Dentro del reparto encontramos actores como Eduard Fernández, Carlos Santos, Marta Etura y José Coronado.  

La historia, basada en la España de los años ’90, cuenta con Francisco Paesa, un ex agente secreto del gobierno español que ayudó en el ataque más importante contra ETA y que se enreda en casos de extorsión durante la crisis de los GAL, siendo obligado a huir del país y a volver años más tarde después de haberlo perdido todo. Es entonces cuando se enciende el motor de la historia con la visita de Luis Roldán, ex director general de la Guardia Civil, que le ofrece una gran cantidad de dinero a cambio de que le ayude y proteja del gobierno español.

Pese a ser una historia de ficción, la relación que guarda con los acontecimientos reales ayuda a crear un vinculo más estrecho con el espectador, que se ve trasladado a una época no muy lejana dentro de nuestra propia historia como país. La película comienza a desarrollarse de una forma apropiada, con un buen tiempo y un trabajo visual y musical muy cuidado. Sin embargo, hacia la mitad la historia se atasca manteniendo al espectador tras acciones que acaban llevando a ninguna parte, hasta que finalmente se da comienzo a la resolución de la historia.  

Sin duda alguna, lo que más cabe destacar de esta película no es su historia si no su tratamiento. A través de una gran iluminación y una fotografía excelente, el director decide hacer una narración poco convencional, llena de presentaciones épicas para sus personajes protagonistas, que no son más que anti-héroes; el cambio a cámara lenta en los momentos acertados, el uso de flahsbacks para ir desvelando pequeñas cosas de forma proporcional y gradual a lo largo de la historia y la presentación de los acontecimientos por capítulos sin ninguna timidez hacen de esta película un gran avance para el cine español, no sólo en tema si no en tratamiento narrativo.

 

Por otra parte, a pesar de contar con grandes nombres, no se puede decir que los actores ayuden a la película, ya que no terminan de atraernos con sus papeles y algunas interpretaciones no resultan convincentes.

 

Se trata de una película con un gran avance en el uso de las estrategias cinematográficas dentro de nuestro cine. Desafortunadamente, la historia acaba siendo demasiado pesada, de hecho se podría prescindir tranquilamente de unos 10-20 minutos o más. El trabajo actoral también resulta mejorable. Aún así, la película nos muestra a través de una brillante narración cómo la España de hoy y la de ayer sigue ocupando las portadas por su corrupción.

THE MAN OF A THOUSAND FACES

 

The new film by Alberto Rodríguez, written by him and Rafael Cobos, is set during the 90’s in Spain. The story follows a former secret agent of the Spanish government, named Francisco Paesa, who had also helped throughout the most important attacks against the terrorist association ETA. He also ended up involved in numerous extortion cases during the GAL crisis, which forced him to leave the country and return some years later when he had lost it all. At that point he receives a visit from Luis Roldán, the former General Director of the Civil Guard, who offers Paesa a large quantity of money in exchange of helping and protecting him from the Spanish government.

 

Even though it is a fictional story, the relationship and the research of real events allows a deeper connection within the viewers, especially since the timeline is not very far into our past, nor in Spanish history and for its people. The story begins appropriately, with good timing, good visual work and with well selected music. However, by the middle mark, the story gets stuck and stagnant, and the viewers are forced to chase action scenes that develop into nothing, until the film decides that it is needed to start solving the conflict.

 

The most important aspect from the film is not its story but rather how the film is prepared, the use of tools such as its great work with lighting and excellent photography. In addition, the director chooses to use uncommon narration that is full of epic presentations for its main characters, which are all anti-heroes. The use of slow motion, flashbacks that help reveal little information gradually through the whole story, presentation of the film’s sequences done by chapters all help to well reflect on the film and for the advancement of Spanish cinema. Not only within its topics but also in their narration style.

On the other hand, despite having a few important names within the cast, such as Eduard Fernández, Carlos Santos, Marta Etura and José Coronado, many of them don’t actually draw the viewers’attention to their characters, and some of their performances are not entirely convincing.

 

This film shows to have a great narrative in its use in cinematography strategies within the Spanish cinema, which is an important achievement. Unfortunately, the story ends up being too slow, repetitive, and it would be easy to remove 10  or 20 minutes from the film, if not more; furthermore, the actors could be better. However, the film does show us how yesterday’s Spain is still on the news for its corruption, and that not everything in the past stays in the past.

 

Itsaso Pol

Translation review:  Gianni Nanula

“El 50% de la invención del expresionismo abstracto es atribuible a mi persona”, Albert Oehlen

El artista lanza una cuestión que continúa presente en él, “¿en qué punto el árbol deja de ser árbol y se convierte en una abstracción?”

La obra del pintor expresionista Albert Oehlen está expuesta en el Museo Guggenheim de Bilbao hasta el 5 de febrero. ‘Detrás de la imagen’ es un conjunto de obras que abarcan los autorretratos, las pinturas abstractas, por ordenador y serigrafías cuyo eje principal es la idea del árbol. En una conferencia ofrecida por el 19º aniversario del museo donde explicó los entresijos de la exposición mostró firmeza ante sus objetivos, “yo creo porque me propongo una tarea, conseguir algo nuevo”.

Es uno de los artistas más controvertidos de la posguerra en Alemania. Influenciado por Joseph Beuys o “el chiflado del sombrero”, se convirtió en miembro del Lord Jim  Lodge junto con Matin Kippenberger o “el showman del grupo”. “Yo no soy historia, soy parte de ella”, dijo un joven Oehlen inmerso en los años sesenta, una época en la que “la pintura se sentía dolida”. Eran una conspiración, es decir, “un grupo de nóveles pintores que creaban pinturas modernas sin implicación social alguna”, rememoró el creador contemporáneo.

Oehlen defendió su postura de no atribuir un significado a su exposición, incitando al público a que se busquen a sí mismos detrás de la imagen y a que den más valor al porqué y al cómo, “simplemente miro lo que se ha conseguido y busco lo que falta”. Sin titubeos y con total convicción afirmó que el 50% de la invención del expresionismo abstracto es atribuible a su trayectoria profesional. 

Su inmersión en la abstracción comenzó en 1988 cuando decidió instalarse en Andalucía con otro miembro de la generación ‘enfants terribles’, Kippenberger. “Fue una etapa en la que todos mis óleos eran feos”, admitió el propietario de un estudio en Bermeo. Tras días y noches de convivencia y reflexión conjunta llegaron a la conclusión de que su único afán era conseguir un cambio, pero al contrario que su amigo y catedrático de la Universidad de Kassel, siendo fiel a la pintura.

En 1992 comenzó un reto, profundizar en los movimientos realizados por la mano con el ratón. Las ‘pinturas por ordenador’ no han supuesto el abandono de la pintura como técnica principal. Oehlen creaba dibujos en blanco y negro con el ratón de las primeras computadoras aprovechando las pixelaciones debido a la mala calidad. Después las serigrafiaba y las pintaba en el lienzo.

La última parte de la exposición está enfocada en los ‘Árboles’. Creados sobre láminas de polietileno, el artista lanza una cuestión que continúa presente en él, “¿en qué punto el árbol deja de ser árbol y se convierte en una abstracción?”. Esta serie presenta imágenes con estructuras arbóreas de color negro sobre fondos donde predomina el magenta.

Alba Ariz Rodríguez

“The 50% of the invention of abstract expressionism is attributable to my person”, Albert Oehlen

The artist launches a matter which continues present inside him, ¿in which point the tree stops being a tree and turns into an abstraction?

Expressionist painter Albert Oehlen´s work is exhibited at the Guggenheim Museum in Bilbao until the 15th of February. ‘Detrás de la imagen’ (‘Behind the Image’) is a combination of paintings including self-portraits, abstract and computer paintings and serigraphs whose main focus is the idea of the tree. In a conference that he gave in the museum due to its 19º anniversary, he explained the hidden details of the exhibition showing firmness about his aims, “I create because I propose myself a task and to get something new”.

Oehlen is one of the more controversial artists of the postwar in Germany. He is influenced by Joseph Beuys or “the crackpot of the hat” and became part of Lord Jim Lodge, with Matin Kippenberger or “the showman of the group”. “I´m not history, I’m part of it”, said a young Oehlen immersed in the 60s, a period where “painting felt hurt”. They were a conspiracy, i.e., “a novice painters group who created modern pictures without social implication”, remembered the contemporary creator.

Oehlen defended his opinion of not attributing a meaning to his exhibition, inciting the public to look for themselves behind the images and to give more value to the whys and hows, “I simply see what has been accomplished and I look for what is lacking”. Without hesitation and with total conviction he affirmed that 50% of the abstract expressionism is attributable to his professional career.

His immersion in the abstraction began in 1988 when he decided to settle in Andalucía with another member of the ‘enfants terribles’ generation, Kippenberger. “It was a period when all my oil paintings were ugly”, admitted the owner of a study in Bermeo. After days and nights of coexistence and combined reflection, they came to the conclusion that their only desire was getting a change, but differently from his friend and professor of the University of Kassel, being loyal to the painting.

In 1992 he started a challenge, i.e., going in depth of the movements carried out by the hand with the mouse. ‘Computer Paintings’ had not supposed the abandonment of painting as the principal technique. Oehlen created drawings in black and white with the mouse of the first computers taking advantage of the pixelatings because of the low quality. Then he elaborated serigraphs and painted them on the canvas.

The last part of the exhibition focuses on ‘Trees’. Created on polyethylene sheets, the artist launches a matter which is still present inside him, “in which point the tree stops being a tree and turns into an abstraction?”. This series presents images with black arboreal structures on bases where magenta predominates.

Alba Ariz Rodríguez

Translation review: Gianni Nanula

 

LA CHICA DEL TREN

“La chica del tren”, película estadounidense dirigida por Tate Taylor, es una adaptación de la novela“The Girl on the Train” de Paula Hawkins, siendo Erin Cressida Wilson la encargada de realizar el guion de la película.  

 

 

 La película es narrada desde el punto de vista de Rachel (Emily Blunt) que, devastada por el reciente divorcio que ha atravesado, fantasea sobre la vida de una pareja cuya casa se ve desde el tren que coge para ir al trabajo. Una mañana como cualquier otra, desde la misma ventana del tren, es testigo de un acontecimiento que traerá un misterio que se verá obligada a resolver.

 Esta es una de las películas más esperadas por todos los seguidores de la novela de Paula Hawkins,  pero no es la mejor película de Tate Taylor. Con un comienzo en el que se generan grandes expectativas, el inicio de la película se hace demasiado lento y largo para la simple situación que se nos quiere exponer. Sin embargo, una vez que llega el punto de giro de la historia, el espectador se ve sumergido en la película y en todos los pasos que sigue su protagonista para resolver el misterio que la rodea. 

 

En cuanto al guion, hay acciones que se salen totalmente del esquema racional por el que se rige cualquier ser humano, casi como ocurre en las películas de terror para que la historia pueda continuar. Sin embargo, en este caso parecen ocurrir sin tener ninguna razón en particular, o al menos la explicación no viene implícita en la película.

Con un nuevo punto de giro que cambia las tornas de todo y que da tanta fuerza a la historia, el final resulta decepcionante y acaba sin satisfacer al espectador, que tras semejante revelación queda esperando algo más.

 

 Cabe destacar el trabajo de Emily Blunt, que consigue interpretar a un personaje complejo sin caer en clichés, manteniendo una naturalidad que se agradece a lo largo de toda la película. El trabajo de fotografía también resulta destacable en esta película. No obstante, es el tratamiento de la historia lo que nos deja a medias con lo que podría haber sido una gran película. 

 

  

 

 

THE GIRL ON THE TRAIN

 

 “The Girl on The Train” is an American film directed by Tate Taylor. It’s based on the book of the same title written by Paula Hawkins, adapted for the big screen by Erin Cressida Wilson.
 

 The film is narrated from the point of view of its main character, Rachel ((Emily Blunt), a woman who is feeling devastated because of the recent divorce she has been going through. She takes everyday the train to go to work and fantasies about the life of a couple, whose house she is able to watch from the window where she sits on the train. One day, from this same window she witnesses an event that would create a mystery that she would have to solve.
 

 This is one of the most anticipated films by the fans of Hawkins’ book, but it’s not the best of Tate Taylor’s films. Despite having a beginning that creates high expectations for the viewers, the first part of the film is too slow and too long for the simple situation that it wants to introduce. Yet, once the main conflict of the story appears, the viewers can get submerged into the plot and the decisions the main characters takes in order to solve the mystery she is surronded by.
 

In the script there are actions that come across as too unbelievable, refusing to follow rational behaviour that every human being has, a trait typically seen in horror films in order to further push the story; however, in this case, they seem to be done without rhyme or reason, or that the explanation is not given in the film. There is a turning point near the end that changes everything and gives strength to the story. But, despite this, the end falls flat, leaving the viewers disappointed and unsatisfied.
 

A special mention must be given to Emily Blunt’s work. She is able to embody a complex character without falling into clichés and keeping an organic performance, which is always consistent throughout the film. The photography is also very good and does the film well. However, the treatment of the story is what leaves us halfway between an average film and what could have been a great film.

 

Itsaso Pol

Translation review: Gianni Nanula

 

VUELTA A CASA DE MI MADRE

“Vuelta a casa de mi madre” es una comedia francesa dirigida por Eric Lavaine, que también escribió el guión junto con Héctor Cabello Reyes.

La película cuenta la historia de Stephanie (Alexandra Lamy), que a sus cuarenta años se ve obligada a volver a vivir en casa de su madre (Josiane Balasko) al quebrar su empresa. Aunque su madre la recibe con los brazos abiertos, la vida de ambas ha seguido adelante y deberán encontrar un equilibrio para su convivencia, sobretodo ahora que su madre guarda un secreto que aún no ha contado a ninguno de sus hijos.  

Con unos personajes bastante trabajados y con diferentes capas para una comedia, esta historia atrapa al espectador, sobre todo gracias a la madre de Stephanie, que gracias a sus peculiaridades y a sus idas y venidas consigue ser el personaje más atractivo del film.

Aunque se trata de una película que desata las risas por ser un reflejo del entorno familiar, los diferentes conflictos que aparecen en torno a los personajes, como el paro, el divorcio, la muerte del padre, etc. se dejan de lado y no se toman como un punto de reflexión; sin embargo, el director nos abre las puertas al hogar familiar para ir más allá de las risas, ablandándonos con los recuerdos que todos guardamos de nuestra infancia y nuestra vida con la familia.  

 

Se trata de una película muy correcta, que respeta el diseño básico de la historia en un guion que consigue mantener fresco y que, si bien hace pasar un buen rato, tampoco nos lleva a nada más. Cabe comentar que la resolución de la trama se ve precipitada, sobre todo si tenemos en cuenta el tiempo que tarda la película en arrancar con las primeras tramas de los personajes. También hay que añadirle el uso de un par de escenas que aportan no aportan mucho a la historia y cuyo tiempo se podría haber empleado para desarrollar el final, que parece resolverse como por arte de magia.

 BACK TO MOM’S

 “Back to mom’s” is a French comedy directed by Eric Lavaine and written by Lavainen together with Héctor Cabello Reyes. The film follows the story of Stephanie (Alexandra Lamy), who after forty years and the bankruptcy of her company, is forced to live back at her mum’s house (Josiane Balasko). Obviously, Stephanie is received with open arms but it soon becomes clear that both of their lives have moved forward in different directions. They will have to find a way to keep their relationship balanced in order for them to happily co-exist under the same roof. Especially now when the mum is keeping a secret, and none of her children knows about it yet.

 

Comedies have the reputation of playing with stereotypes, entertaining viewers with non fleshed out personalities. However, this film is very good in developing and outlining its characters, allowing us to get closer to them. Among the characters that are introduced, the best one is the mum: with her peculiar behaviour, she is able to capture the viewer’s attention. However, even if the film gains most of its laughter from the family environment and antics, the different conflicts that appear throughout the characters, such as unemployment, divorce, the death of the father, etc. are left to one side and are not taken to be reflection points. But the director opens the doors of the family’s house to go beyond laughters, moving us with our memories of our own childhood and life with our family.

This film is good in following basic storytelling devices and has got a fresh writing, which makes this film something enjoyable to watch. The plot’s resolution felt too rushed and seemed to have been resolved by magic, which is unfortunate, especially when the film takes its time to develop the plots of the main characters. In addition, the film suffered by having a couple of scenes that did not add anything to the plot, which could have been spent on developing a better end.

  

Itsaso Pol

Translation review: Ginnai Nanula

EL Ciudadano ilustre

“El Ciudadano Ilustre” es una comedia dramática dirigida por Gastón Duprat y Mariano Cohn y escrita por Andrés Duprat. Está protagonizada por Oscar Martínez, que da vida a Daniel Mantovani, un escritor Argentino que se traslada con veinte años a vivir a Europa tres décadas después, tras haber recibido el premio Nobel de la Literatura, es invitado por su pueblo natal, Salas, a acudir a su nombramiento de “Ciudadano Ilustre”.  

Como bien se indica al principio del film, los libros de Mantovani están inspirados en los ciudadanos y la vida de su pueblo natal, al que no ha vuelto desde que se fue, por lo que la invitación que recibe parece despertar en él viejos fantasmas que creía perdidos. Tal vez la curiosidad de volver a ver a quienes alguna vez amo o el volver a las mismas calles con un nombre y una gloria que ahora lo rodea sean algunas de las razones por las que el protagonista de esta historia decide volver a su pequeño pueblo, donde nunca cambia nada.  

Una vez decidido el camino a tomar, Mantovani viaja a Salas desde Barcelona, y como suele ser habitual, a su llegada al pueblo, su regreso triunfal parece haber hecho que todos los ciudadanos le quieran y deseen compartir con él algunos instantes. Sin embargo, con el paso del tiempo en la película veremos como las razones que lo llevaron una vez a abandonar su lugar de nacimiento vuelven a salir a la luz, creando una atmósfera de tensión y crítica, en este caso a la sociedad argentina, que tampoco dista tanto de ser nuestra propia sociedad ni de nuestros propios conflictos. 

Sin duda alguna, cualquier persona, ligada a los conflictos sociales especialmente, verá en este personaje un reflejo de sí mismo. Abandonar un pequeño pueblo donde no pasa el tiempo, dejar a amigos y amores que sabemos no pueden llenar una profunda parte de nuestro ser y la esperanza y sueño que surge de ahí y el poder volver triunfales a donde una vez no encajamos para que todos vean lo que hemos logrado. Sin embargo, estas diferencias irreconciliables que se van desarrollando en clave de humor terminarán siendo mucho más que una razón para querer volver a salir de salas. A través de diversos enredos, situaciones incómodas y recreaciones satíricas de varios personajes, el final de está película, que tan imposible podía parecer al principio, acaba atrapando al espectador y haciéndole reflexionar sobre los múltiples temas de actualidad, que tienen que ver con el arte y la cultura, y que se asoman durante las diferentes escenas mezcladas con algo de humor para que no resulte tan difícil digerir nuestros propios errores. 

Esta producción, se trata de todo un ensayo de reflexión. El guion, fluido y con mucha naturalidad en la forma de interactuar de los personajes, supone un gran acierto en la recreación de lo que es un pueblo pequeño aquí, en Argentina y en todos los lugares del mundo. Sin embargo, todos los personajes pertenecen a arquetipos y no terminan de desarrollarse en ninguna dirección, incluso el protagonista vive la historia sin asumir demasiados cambios en su personalidad. Hay que reconocer que es este uso de personajes tipo lo que ayuda al humor y a sus situaciones cómicas.
 

Por otra parte, el mayor fallo de esta película, a pesar del gran acierto con el que comienza y se desarrolla hasta poco después, es que los conflictos que van surgiendo se van haciendo demasiado evidentes y predecibles. El final se va intuyendo desde poco más de la mitad de la película, y aunque si bien el punto de clímax puede resultar estremecedor, el final se resuelve de una forma demasiado correcta y dejando algunos cabos sueltos de los que el espectador posiblemente se pregunte al salir de la sala.

 

Si bien todo el film cuenta con un buen tempo y está bien distribuido, la parte final, donde se desata la locura parece olvidar esto y acaba sucediéndose de una forma extremadamente rápida y veloz, como un disparo. 

Por otra parte, el uso de la cámara, los planos y la fotografía acaban convirtiéndose en un elemento más de la narración de la película. El uso de éstos fuera de la película serían más que cuestionables en calidad y composición cinematográfica. Sin embargo, en el film funcionan como un pequeño engranaje más para mostrar lo desastroso, lo atrasado del pueblo, reforzando a que el espectador, de una forma sutil, acabe compartiendo la visión del protagonista  a cerca de la gente del pueblo, su sistema y la sensación de atraso.  

Lo que más cabe destacar de esta película es el haber logrado un relato divertido, lleno de humor y sátira pero que no queda vacío para el espectador, sino que es un gran ensayo de reflexión a cerca del arte y la cultura de una forma global, de la figura del artista y del atraso en aquellas personas que creen que a la cultura “hace falta protegerla”. El film, no acaba siendo nada más que un pequeño cuento de fábula en la que el artística nos habla a nosotros, espectadores, que acaban riéndose de sí mismos al ver a los personajes del pueblo, que tan bien nos representan sin nosotros saberlo.

  

THE ILLUSTROUS CITIZEN

 

 

“The illustrious citizen” is a comedy-drama directed by Gastón Duprat and Mariano Cohn, and written byAndrés Duprat. Oscar Martínez plays the leading role giving life toDaniel Mantovani, an Argentinian writer who moves to Europe in his twenties. After three decades he is awarded with the Nobel prize of literature and is invited by his hometown, Salas, to receive the title: “The Illustrious Citizen”. 
 

Mantovani’s books are inspired by everyday lifestyle and the citizens living in his hometown- a place he has not returned to since his departure for Europe. His arrival back home awakens old ghosts that were thought to have been lost forever. While carrying the feelings of nostalgia and the possibility of seeing old lovers and walking down familiar streets, Mantovani decides with his newfound glory that he wants to return back to his small town, where nothing ever changes.  
 

With careful planning Mantovani travels to Salas from Barcelona and is quickly greeted by every citizen with love and their desire to spend time with him. However, as the film progresses, his triumphal reappearance begins to fall heavy on him as he is soon reminded by all the reasons that made him want to leave his hometown in the first place. This provokes tension and allows for a critique on Argentinian society, echoing our own society and conflicts today.  
 

It is expected that many people, especially those involved in art and in social conflicts, will sought out parallels and look for reflections of their own selves within Mantovani’s character. Drawing from the idea of: abandoning a little town where time seems to stand still, leaving friends and loved ones behind because they will never fulfil anything deep or meaningful; where hope and fantasies of coming back home successful outweighs the memories of being different and an outcast, proving to others of their true capabilities. Nevertheless, the irreconcilable differences will dictate Mantovani’s reasons for leaving Salas once again.  
 

Through the use of misunderstandings, uncomfortable situations, mixing comedy and satirical devices from some of the characters, the film wins the viewer’s attention until the very end by opening up multiple topics, such as art and culture, that are prevalent in today’s society. It is obvious that the film serves to provoke the viewers with questions, allowing to open up discussions through criticism. The script is fluid and natural in the way that characters interact with each other. The film is able to inhabit the nuances that belong to small towns in Argentina and in the rest of the world.  
 

However, all the characters belong to common stereotypes. Their personalities and goals do not develop throughout the duration of the film, even Mantovani remains barely unchanged at the end. But, these are devices that allow the gags during the film to work. On the other hand, the film’s biggest flaw is that the middle part of the storyline, the conflicts become predictable. Despite the shocking climax, the ending can be anticipated and it felt rushed by finishing too quickly. Therefore, even if the whole film has a good and well balanced rhythm, the final part, where the madness is untied, develops too fast, almost like a gunshot. This might leave viewers confused, wondering how certain things got resolved, as they exit from the cinema.
 

 

The film’s use of cinematography and camera-work also ends up being a vital part of the story’s narration, highlighting the quality and composition. They add to the story by acting like cogs in a machine, pushing and turning to reveal the disaster and the backwardness of the town. This is to enhance the feeling of how the viewer, along with Mantovani, observes the town’s citizens, their system and the feeling of being slow and lethargic. Nevertheless, what stands out the most from the film is that it has created a funny story, full of satirical humour, and the ability to reflect on art and culture in a global way. Challenging the image of the artist and the backwardness of those people that believe culture “has to be protected”. Through this method, the film becomes a tale in which the artist talks to the viewers, and is able to have them laugh at themselves while watching the characters of the town that reflect the people of today, without them noticing.

 

Itsaso Pol

Translation review: Gianni Nanula